Una miscela unica che racconta l’arte in bilico tra scultura e pittura, fuori da schemi predefiniti, un dialogo tra i colori e la consistenza della materia , che trasforma tutto in tridimensione, e rende protagonista lo spettatore.
Abbiamo scelto di fare qualche domanda all’artista Giapponese Kaname Harada, per conoscere meglio la sua tecnica e il suo pensiero artistico
Quando hai capito che l’arte è insostituibile nella tua vita?
Quando ho esposto alla mostra di scultura “Vibration: Perception of Connection” presso il Museo d’Arte della città di Utsunomiya nella Prefettura di Tochigi nel 2001, ha cominciato ad emergere un senso di responsabilità come scrittore.
Avevo 40 anni,quando il mio lavoro è stato allineato con icone del passato come Giacometti in questa sede del 2001, ho pensato che il mio lavoro avrebbe povuto avere il potere di rimanere come un’esistenza sociale.
Ho iniziato a fare lavori quando ero uno studente universitario, e sono passati quasi 40 anni dall’ora.
Quando iniziai, non avrei mai pensato di continuare così a lungo. .
Cosa vuoi trasmettere attraverso il tuo lavoro?
Vorrei dimostrare che esiste uno stile pittorico unico che non è mai stato visto prima.
La fonte di ciò è una domanda sul formato generale della pittura occidentale rappresentato dalla tela.
Sin da studente provavo senza dubbio un forte senso di disagio nel disegnare su una superficie quadrata e piatta.
Non esiste una sola superficie dove poter dipingere per esempio i murales di Lascaux, possono essere considerate dipinti. La mia continua ricerca nel cercare nuove superfici sulle quali dipingere è diventato il lavoro corrente.
Lo stile di base del mio lavoro è un lavoro tridimensionale con intaglio del legno, ma ciò che è coerente è che un lato è uno schermo per quadri e l’altro è definito come il retro e dipinto di bianco.
Lo schermo dell’immagine continua all’interno del solido.
Una cavità continua dalla superficie esterna all’interno del solido e quella superficie è colorata. In altre parole, la superficie colorata è collegata dalla superficie all’interno. Allo stesso modo è collegata anche la superficie bianca visibile all’esterno.
La superficie cromatica e l’oggetto tridimensionale corrispondono nell’opera, il tutto può essere definito come un’opera pittorica estremamente distorta.
Insieme al messaggio dell’opera principale, penso che l’opera debba essere un’opera che lo spettatore possa vivere con tutto il corpo.
La differenza tra un dipinto normale e una scultura è che il dipinto limita la linea di vista dello spettatore in avanti e lo affronta, mentre la scultura può essere vista da tutte le direzioni mentre lo spettatore orbita attorno all’opera.
Osservando frontalmente la superficie colorata, il mio lavoro può essere visto da varie angolazioni a 360 gradi sfruttando le caratteristiche tridimensionali.
Puoi vedere tutto da lontano, seguire le tracce più da vicino e lo spettatore diventa più piccolo come un insetto e si diverte a camminare sulla superficie dell’opera mentre è invitato dai colori.
Sono alla continua ricerca di uno stile di pittura unico che sia completamente avulso dalla pittura piatta della tradizione.
Le mie opere hanno una forte vitalità che trabocca dall’interno dell’opera. Sono consapevole del potere primitivo che raggiunge le profondità del cuore dello spettatore.
Il mio lavoro assume forme di organismi vivente. Pur utilizzando colori che sono fortemente legati alla vita, come il rosso e il verde, sono colorati in modo che l’interno divento protagonista.
Qual è stato il primissimo lavoro?
Il primo lavoro che può essere definito un lavoro è di quando ero uno studente universitario. A differenza di adesso, questo è un lavoro di installazione in cui le tavole allungate colorate vengono espanse per riempire il luogo come un labirinto di spazi vuoti in cui lo spettatore è attratto dal mondo del colore mentre lo attraversa.
Lo sguardo non viene rapito dallo schermo, ma lo spettatore entra nello spazio del dipinto vivendolo.
Come scegli il soggetto del tuo lavoro?
Il mio lavoro ha sempre una forma concreta, ma la forma non significa molto come tema. La forma dell’oggetto tridimensionale sarà determinata dalla location e dallo svolgimento delle opere prima e dopo.
Che tecnica usi per il tuo lavoro?
È realizzato in legno utilizzando la tecnica ad incastro del parquet.
Vengono ideate grandi opere in modo che possano essere assemblate in sede.
Per mantenere il concetto di disegno attraverso l’interno, scelgo sempre di spaccare i pezzi di legno a forma di ramo, dipingerli e poi abbinarli di nuovo.
Non esiste un disegno di progetto particolare, creo una forma ruvida incollando legname e materiali in lamiera, e solo dopo, inizio a scolpire con lo scalpello.
Il pigmento del colore viene applicato con colla o mezzo acrilico.
Parto dall’alto raschiando il legno con una smerigliatrice per poi aggiungere nuovamente li stessi scarti .
A seconda della posizione, la superficie potrebbe essere bruciata con un bruciatore.
Questo aiuta a imitare il passare del tempo nell’opera
Amo da sempre che le cose sopravvivano nel tempo.
Fin da bambino, sono rimasto affascinato dalla consistenza dei colori esfoliati quando ho visto vecchie statue di Buddha.
Quando inizio a creare non ho un’immagine specifica in mente ne ho chiaro quali colori utilizzerò, disegno secondo il mio senso valorizzando la risonanza causata dalla sovrapposizione e dalla corrispondenza delle forme davanti a me.
Intervista fatta in collaborazione con Arti Services e Nakajima Gallery
