Catinca Tabacaru ha fondato la sua galleria a New York nel 2014, a partire dalla quale si è costruita una reputazione internazionale che l’ha portata ad operare anche in Zimbabwe e Romania.
La sua esperienza itinerante si riflette nel respiro cosmopolita del programma della galleria che comprende lavori di artisti provenienti dai cinque continenti.
Una internazionalità che contraddistingue anche la sua vita privata, della quale ci ha raccontato qualche particolare.
Il tuo primo contatto con l’arte?
Ricordo di aver dipinto un tramonto in quinta elementare. Posso ancora sentire il movimento dentro di me che c’è stato in quel momento.
Durante tutto il liceo, ho passato il mio tempo libero in camera oscura a sviluppare pellicole e fare fotografie. Dopodiché era un dato di fatto che in qualsiasi città in cui viaggiavo, avrei prima visto tutte le gallerie d’arte e i musei. Ho iniziato a farlo in modo indipendente durante il mio primo viaggio non familiare a Parigi quando avevo 16 anni.
La tua formazione?
Mentre ho conseguito la laurea in Relazioni Internazionali e Italiano presso l’UC Berkeley e poi il mio JD e Master in legge alla Duke University, sono sempre stata attiva nei dipartimenti artistici.
Anche mentre completavo un impegnativo doppio diploma di legge, ho sempre seguito un corso nel famoso dipartimento di fotografia documentaria della Duke.
In quei giorni uscivo con un impresario di pompe funebri e lui mi portava a tutti questi funerali dall’aspetto strano nel sud degli Stati Uniti.
Non ero proprio una ragazza cupa, ero più interessata alla connessione umana nei momenti di perdita e lutto.
Quando hai deciso di occuparti di arte?
Mi sono scoperta piuttosto annoiata dopo due anni di pratica legale a New York. Volevo un cambiamento radicale e l’arte era l’unica altra cosa che mi interessava profondamente oltre ai diritti umani, al genocidio e simili.
Così ho lasciato la mia carriera di avvocato e ho iniziato a fare il tirocinio in una galleria d’arte punk a New York, proprio dove si trova oggi il nuovo Whitney Museum.
Era l’ottobre 2009. Ricordo quel misto di emozioni, a metà tra la felicità estatica e le lacrime alimentate dalla paura. È stato un grande salto.
Cos’è per te l’arte?
Vita, amore, passione, ambizione, ricerca di significato e scopo.
Come scegli un artista con cui confrontarti?
Come ho scelto mio marito, con il cuore.
Secondo te bisogna aver studiato arte per venderla?
Sì e no. La parola “studio” è fondamentale qui.
Non credo si possa essere ignoranti sull’arte e occuparsi di buona arte.
Ma si può acquisire conoscenza e sviluppare il proprio occhio al di fuori della sfera scolastica.
Ci sono molti modi in cui i commercianti sviluppano le loro abilità: mentre alcuni hanno studi formali, altri provengono da famiglie di collezionisti d’arte, o erano/sono artisti stessi, o, come me, hanno sempre trattato l’arte come qualcosa di integrante della loro vita anche quando non sapevano sarebbe o avrebbe potuto diventare una carriera.
Cosa chiedi a un curatore?
Non mi è mai stato chiesto prima!
Da dove cominciare…
Dipende dal curatore e dal contesto, immagino.
Questo potrebbe variare dall’essere curiosi sulla loro comprensione di un’opera, al motivo per cui hanno fatto una certa scelta curatoriale, al fatto che siano aperti a collaborare a qualche progetto che stanno sviluppando che trovo interessante.
È una domanda divertente, se emanassero vibrazioni positive, forse chiederei loro di condividere un drink.
Qual è il ruolo di un gallerista oggi?
Oggi come gallerista bisogna svolgere molti ruoli.
Siamo un sistema di supporto per l’artista.
Questo va dall’essere la principale fonte di stabilità finanziaria, visibilità e consulenza, all’atto di creare e produrre insieme.
Non molte pratiche o carriere sono costruite al di fuori del contesto di almeno una galleria.
Le gallerie sono anche un punto di incontro per una comunità attorno a un programma specifico o un insieme di idee e preoccupazioni. Inoltre, siamo spesso un filtro per curatori e istituzioni che guardano le nostre attività per trovare artisti interessanti.
Esploro il mondo per trovare gli artisti con cui lavoro.
Di recente mi sono concentrata sullo Zimbabwe e sulla Romania. Trovo che questo sia molto utile per i curatori che non hanno trascorso gli anni in questi luoghi come ho fatto io.
Qual è la differenza, nella percezione dell’arte, tra il tuo paese e l’estero?
Innanzitutto, trovo difficile definire cosa sia “il mio paese”.
Lavoro principalmente a New York, Bucarest e Harare; ma con il CTG Collective (un gruppo che ho fondato con Rachel Monosov che include altri artisti e curatori), viaggiamo e lavoriamo in numerosi continenti. Negli ultimi anni abbiamo avuto progetti in Terranova, Canada, Serbia, Nigeria e Finlandia.
Ogni luogo è diverso, ma allo stesso tempo ogni comunità artistica ha obiettivi e desideri simili.
Gli artisti e i professionisti dell’arte in genere vogliono influenzare il mondo; commentare le loro sfide locali e il nostro attuale momento globale e i cambiamenti necessari mentre cerchiamo un futuro migliore; creare qualcosa di nuovo o in un modo/voce nuovo; coinvolgere comunità diverse mentre crescono in modo creativo ed etico… trovi queste attività ovunque.
Un aneddoto che ricordi con un sorriso?
Tutti mi chiedono sempre come sono finita in Zimbabwe.
Dico loro che se chiedi ai nostri partner dello Zimbabwe, ti direbbero che ci andavamo sempre, era solo una questione di quando.
Se potessi incontrare un personaggio del passato, chi e cosa gli chiederesti?
Perché non incontrare Dio.
E chiedere “perché?
Grazie per il tuo tempo e per la piacevolissima chiacchierata
