Stef-Albert è nato e cresciuto in Sud Africa.
Come pianista classico, ha conseguito un dottorato in pianoforte presso l’Università di Washington a Seattle nel 1996.
All’età di 30 anni, ha spostato la sua attenzione da una prolifica carriera come pianista concertista e insegnante a una vita professionale in arte e design al fine di per esprimere la sua spinta creativa e la sua ricerca.
Pur dando il massimo nella musica, nelle arti visive e nel design, la sua creatività e la sua espressività si applicano simultaneamente a ciascuna di essi mentre unisce la sua conoscenza integrata, esperienza e istinto.
Si esprime simultaneamente in più generi, in contrapposizione al singolo musicista, artista o designer che passa dall’uno all’altro.
Gli elementi fondamentali della musica e cioè: equilibrio, proporzione, forma, ritmo, suono, movimento e, soprattutto, emozione sono gli elementi chiave di tutto il su lavoro.
Dalla sua produzione si evince la sua convinzione che l’Arte (in qualsiasi genere) sia qualcosa che esiste nell’anima dell’Artista che scaturisce in altre dimensioni.
Solo quando il Pittore crea dal suo core può produrre ciò che commuove, provoca e soprattutto riflette integrità.
Gli abbiamo rivolto alcune domande per conoscerlo meglio:
Il tuo primo contatto con l’arte?
La mia prima impressione e ricordo della realtà cosciente all’età di due anni ruota attorno all’ammirazione di un libro che i miei genitori possedevano sui dipinti e sui disegni di Rembrandt.
Sebbene cupo e oscuro, ero affascinato dalle figure, dai costumi, dalla luce e dalle storie che inventavo su ciascuno di essi.
Quando hai capito che l’arte sarebbe diventata una passione in una professione?
Da adolescente la mia passione per la musica, l’arte e il design si è sviluppata contemporaneamente.
Mentre prendevo lezioni di musica, ero anche appassionato di disegno, pittura, ceramica e tutte le arti visive.
Già allora, questi generi erano naturali per me.
Ma le esigenze e la disciplina dello sviluppo come pianista da concerto hanno avuto la priorità e ho messo il resto in secondo piano.
È stato solo quando mi sono laureato come dottore in arti musicali all’età di 26 anni che mi sono concentrato ancora una volta sulle arti visive.
Durante i miei anni formativi, credo che queste capacità si siano perfuse dentro di me per emergere in un momento in cui ero più maturo e mi permettevo di esprimere il mio percorso creativo in modo più maturo.
Il tuo primo lavoro?
All’età di 13 anni, mentre le mie abilità pianistiche stavano sbocciando e i miei genitori si rendevano conto della serietà della mia dedizione, costruirono due “Atelier” adiacenti alla nostra casa per il mio primo pianoforte a coda.
Mi è stato dato il privilegio di progettare gli interni e naturalmente ho creato il mio primo dipinto astratto.
Non era diverso da oggi il modo in cui ho avuto una visione, ho creato l’arte e l’ambiente circostante e ho seguito ciò che il mio istinto ha diretto.
Ho chiesto a mio fratello di creare un pannello di legno e ho creato il dipinto senza alcun dubbio o formazione.
Guardandolo ora vedo alcune caratteristiche di Jackson Pollock, ma all’epoca non conoscevo Jackson o altri artisti del 20° secolo.
Ero felice del risultato e ha dato il tono a come mi esprimo da adulto oggi.
Per fare arte occorre averla studiata?
Siamo tutti diversi, quindi posso parlare solo per me stesso.
Credo che la creatività non sia qualcosa che si può insegnare.
Dovrebbe essere sviluppato sì, e talvolta richiede studio.
Non ho mai studiato arte, ma mi sono immerso in tutto ciò che potevo (e anche fino ad oggi) osservando gli altri, analizzando grandi dipinti, studiando con gli occhi della mia mente, ma non da un vero insegnante.
Da adolescente ero appassionato di ceramica e una tale abilità richiede un insegnante. L’incuneamento dell’argilla, il centraggio sulla ruota, la scienza dello smalto, la cottura di una fornace.
Questi sono passaggi tecnici che si dovrebbero imparare da un insegnante.
Ma quando si tratta di dipingere il mio viaggio è stato un processo di scoperta di me stesso. Prima disegnando, poi copiando molti stili pittorici come apprendista, fino a quando ho finalmente trovato la mia voce e la mia identità.
Cosa unisce i tuoi dipinti e la tua musica?
Prima di tutto, sento la musica a colori.
Ogni chiave mi appare in tonalità diverse.
Ogni composizione musicale ha una chiave e soprattutto una struttura matematica.
C’è proporzione e armonia, struttura e composizione.
Un dipinto di successo che risuona con ogni spettatore ha le stesse qualità.
Spesso l’occhio inesperto considera un dipinto astratto come una cacofonia di colori.
Ma non è così.
Oltre all’arte realista, la pittura astratta è costruita su proporzione, armonia, struttura, ritmo e composizione.
Deve essere completa e, proprio come una bella melodia, esprime l’invisibile nel visto. Il mio lavoro di progettazione è esattamente lo stesso.
Come una forte composizione musicale, c’è struttura, armonia, coerenza, proporzione e ritmo.
Una linea di basso, tenore, contralto, soprano… contribuiscono tutti alla coerenza della stanza.
Come scegli cosa ritrarre?
Come nel mio lavoro di design, mi piace di più la capacità di esprimere stili completamente diversi.
Come un attore, vivo nella sfida che ogni ruolo offre.
Mai uguale, sempre diverso. Il regalo di provare ogni volta un costume diverso è emozionante.
Spesso mi viene chiesto di attenermi a uno stile per classificare e riconoscere più facilmente il mio lavoro.
Come opera, il mio lavoro sembra essere composto da dieci o più artisti diversi.
Ma è esattamente questo che mi eccita mentre mi evolvo e mi sviluppo continuamente. Tutto dipende dall’ambiente in cui abito, dal progetto in cui mi impegno, dalla commissione che mi viene chiesto di eseguire, da un’esposizione per cui sono invitato a creare.
Un aneddoto che ricordi con un sorriso?
Dopo un recital in Sud America del grande pianista Emil Gilels, un uomo umile gli si avvicinò e gli chiese: ¨Signore, può parlarmi di questo compositore, mi piace molto la sua musica ma non so come si pronuncia il suo nome…si dice Schubert o Schumann?¨
Se potessi incontrare un artista del passato, a chi e cosa gli chiederesti?
Vorrei sedermi e conversare con Charles Le Brun.
Vorrei sapere com’è stato dipingere Luigi XIV.
Per quanto tempo il re era disposto a posare contemporaneamente per il suo ritratto.
Se ha dovuto apportare modifiche per dare al re un aspetto migliore.
Com’era veramente il re.
Apprezzava veramente l’arte o era più pubblicità e propaganda?
Quali sono state le sue maggiori sfide come pittore di corte?
Se ti incontrassi a 18 anni cosa ti consiglieresti?
Di essere meno serio e più spontaneo.
A quel tempo ero uno studente di musica molto serio, praticando sei ore al giorno, assorbendo quante più informazioni possibili.
All’epoca non disegnavo né dipingevo e abbandonavo ogni senso di creatività diverso dal pianoforte, dall’armonia, dalla storia e dalla teoria.
Mi direi di non seguire il curriculum che mi è stato imposto dal mondo accademico ma per me più libero.
Più tardi, poco più che trentenne, mi sono permesso di sperimentare e di insegnarmi molto sull’arte.
Ero libero e non mi importava davvero dell’opinione di nessuno.
In musica ho ottenuto i più alti titoli accademici ma mi ci sono voluti anni per raggiungere la stessa libertà che avevo fin dall’inizio nell’arte.
Quanto conta la comunicazione?
La musica è espressione e comunicazione.
È un suono organizzato in un modo che risuona con l’ascoltatore.
È l’invisibile e l’inaudito manifestato come comunicazione.
L’arte è la stessa cosa.
Lo spettatore prova emozione quando guarda l’arte.
È l’artista che converte l’invisibile nel visibile.
Qualsiasi opera d’arte, grande o meno, porta un messaggio.
Ritrae lo stato emotivo dell’artista in quel momento della creazione.
La direzione della mente e l’esecuzione del cuore.
Comunica tutto ciò in cui l’artista si impegna, consciamente o inconsciamente.
Qual è la differenza nella percezione dell’arte tra l’Italia e l’estero?
L’Italia è satura di secoli di arte, architettura, cultura e musica fenomenali.
Questo si può dire per la maggior parte dell’Europa ma in Italia in particolare.
È quindi nel sangue del pubblico italiano e l’apprezzamento e la comprensione dell’arte è generica.
Nei paesi più giovani come il Nord e il Sud America, il Canada e il Sud Africa, l’arte viene vissuta attraverso libri, internet e visite in Europa.
Non hanno l’eredità di grandi chiese, affreschi e abbondanza di dipinti di maestri, come l’Italia e la Francia hanno per esempio.
In quanto nazioni in crescita e in evoluzione, l’attenzione si concentra maggiormente sull’arte contemporanea, la pop art, l’arte digitale e le possibilità sempre in crescita nelle tendenze più recenti.
Le architetture delle case non sono prese in prestito da maestri e quadri realisti in genere e quindi il gusto del popolo si è affermato come unidimensionale e bidimensionale in generale.
Sebbene ci sia grande interesse e passione in Europa e in Italia in particolare per l’arte contemporanea, non sempre si adatta anche se spesso combinata con successo con l’antico.
Le case sono più piccole, mentre nei paesi più giovani con ampi spazi e strutture enormi, le aziende e gli individui sono in grado di costruire gallerie e case che accolgono l’arte moderna su scala più ampia.
Cos’è per te l’arte?
Un’espressione di chi sono. Il mio mondo ruota intorno alla bellezza, alle proporzioni, alla struttura, all’armonia.
La mia ispirazione ed espressione quotidiana si basa su ciò che chiamo arte, ciò che vedo e ciò che piace al mio occhio.
Cos’è per te la musica?
Un altro genere di espressione della bellezza. Il suono tocca il cuore, stimola le emozioni. Mentre l’occhio vede l’arte e suscita emozioni, l’orecchio sente il suono che evoca sentimenti.
La musica è colore e l’organizzazione dell’armonia è come organizzare colore e forma su tela.
Cosa ti aspetti da un curatore?
Un grande curatore comprende l’artista, permette un’ispirazione ininterrotta e coglie ciò che l’artista esprime abilmente senza forzare la sua identità personale.
Un abile curatore è l’anello di congiunzione tra il pubblico e l’artista e apre le porte della chiarezza a coloro che all’inizio potrebbero non comprendere.
Un’esposizione di successo richiede un’identità chiara, un filo d’oro di comunicazione e un messaggio cristallino.
Mi aspetto da un curatore di essere la voce tra il mio lavoro e la percezione del pubblico della collezione data.
Cosa chiedi a un gallerista?
Un buon gallerista consente allo spettatore di ammirare un’opera d’arte in privato.
Consente allo spettatore di inventare la propria storia, provare le proprie emozioni e identificare la propria impressione.
Sta indietro e lascia che lo spettatore sia.
C’è sempre un momento per spiegare, condividere e convincere.
Ma un gallerista che parla molto e impone molto non è diverso da un negoziante che dice a un acquirente cosa cercare o comprare.
Quanto sono importanti per te la luce e il colore?
È ciò che rende grande un’ opera d’arte.
È ciò che rende un grande pezzo di musica.
Il colore e la luce sono gli elementi costitutivi più forti.
C’è una ragione per cui molti grandi artisti del passato si sono riversati in Provenza.
La luce e l’esposizione sono straordinarie.
Non riesco a immaginare di vivere senza luce e senza colore.
Grazie per il tempo a noi dedicato .
