Artista espressionista, che vive i suoi lavori come poesie visive.
Vian vive l’arte molto intensamente, le sue opere diventano un tramite per comunicare e unire.
Lasciamo volentieri che sia lei a raccontarsi rispondendo alle nostre domande
Il tuo primo contatto con l’arte?
Il mio primo contatto con l’arte è avvenuto da giovanissimo. Sono nato in una famiglia d’arte con una madre artista e un padre collezionista d’arte. Quindi per me l’arte è iniziata dall’inizio. Per quanto posso ricordare, ho sempre avuto una matita in mano per disegnare durante la giornata. Da bambino amavo disegnare e dipingere con passione.
Per me, sento che l’arte è una parte intrinseca e integrante di ciò che sono. L’arte scorre nel mio sangue, mi attraversa le vene e arriva attraverso le mie mani sulla carta e sulla tela. Sento che nel mio caso l’arte è quasi nata con me, parte della mia identità. Come si dice, sono nato con un dono/talento naturale e crescere in una famiglia d’arte ha sfruttato questa caratteristica nel suo progresso e sviluppo.
Quando hai capito che l’arte si sarebbe trasformata da passione a professione?
Molto presto. Nel mio caso, non c’era quasi nessun dubbio, era un gioco da ragazzi essere un artista e cercarlo come professione. Anche il mio ambiente e coloro che mi circondavano e che hanno visto la mia arte e il mio talento in giovane età, hanno implorato i miei genitori che questa fosse l’unica strada per me; e se finisco per diventare altro che un artista, è quasi un delitto. Pertanto, la mia comunità in un certo senso ha plasmato la mia ricerca dell’arte come professione. Durante la mia scuola elementare e anche dopo, anche i miei insegnanti e presidi hanno visto il mio talento artistico e lo hanno incoraggiato esponendo la mia arte alle mostre. Per fortuna il supporto della mia visione artistica è stato lì per me fin dalla tenera età. Successivamente, le mie opere d’arte hanno vinto premi scolastici e ho ottenuto borse di studio per frequentare il college. Sono laureato e “Notevole Alumni” presso il Corcoran College of Art and Design George Washington University, Washington DC.
Il tuo primo lavoro?
Ho svolto diversi lavoretti durante il college, ma uno dei miei primi lavori artistici che ha anche plasmato le mie conoscenze artistiche è stato lavorare come “Assistente di museo” presso un museo di livello mondiale, il Phillips Collection Museum situato a Washington DC. . Il lavoro è stato determinante poiché ero nel museo, circondato dalla sua inestimabile collezione e aiutando anche il pubblico in visita. Ho lavorato per eventi speciali che si sono svolti al museo. Avevo quasi finito il college quando ho iniziato a lavorare lì ed è stato divertente essere circondato da persone che la pensavano allo stesso modo che studiavano arte e la amavano. Essere al Phillips Collection Museum mi ha dato la possibilità di trascorrere ore e giorni con le opere di alcuni degli artisti più famosi che amo e ammiro come: Edgar Degas, Paul Klee, Paul Gauguin, Paul Cézanne, Edouard Vuillard, Jacob Lawrence , Georgia O’Keeffe, Georges Braque, Giorgio Morandi, Alberto Giacometti per citarne alcuni. E alcuni dei miei preferiti di tutti i tempi, come l’artista moderno Richard Diebenkorn, e passare molte ore ad ammirare la pesantezza dei dipinti a colori di Mark Rothko che adoro. Il museo ha una sala dedicata esclusivamente ai grandi dipinti di Rothko: per me quella stanza di Rothko era un santuario in cui ritirarmi soprattutto nei giorni in cui mi sentivo giù. L’arte di Rohko è servita da risollevatore spirituale da ciò che mi affliggeva in quel momento.
* Se nella domanda ti riferisci alla mia prima opera d’arte, allora sarebbe il disegno di una casa con una famiglia, nuvole felici e una ragazza fuori in mezzo ai fiori. Questo era un disegno ricorrente che facevo da bambino con le matite colorate.
Per fare arte bisogna averla studiata?
Sì, secondo me studiare arte porta il tutto a un livello completamente nuovo. Si può nascere con un talento artistico e l’amore per creare arte. Tuttavia, sento che questa passione deve essere disciplinata e diretta attraverso l’educazione artistica per essere elevata a un livello superiore. Sono anche un educatore d’arte, quindi per me l’educazione artistica è essenziale per la corretta crescita di uno studente d’arte e di un artista in erba. Venendo dal mondo accademico, credo che ci siano così tanti vantaggi nell’istruzione e nello sviluppo delle proprie capacità naturali a nuovi livelli. Lo vedo sempre in prima persona come insegnante d’arte: ho studenti che sono principianti puri e semplicemente seguendo uno dei miei corsi passano da principianti a intermedi in pochissimo tempo. L’educazione artistica e la frequenza di lezioni d’arte con educatori professionisti qualificati aiutano lo studente d’arte in erba a vedere le cose e ad affrontare i temi in modo diverso rispetto al non frequentare lezioni d’arte. I miei studenti me lo dicono continuamente e mi ringraziano per aver aperto loro gli occhi per vedere il mondo in un modo completamente nuovo. Sono una di quelle persone che crede che ogni persona dovrebbe sempre mirare nella propria vita ad imparare e crescere continuamente nel campo dell’apprendimento. Rafforzo persino quella filosofia su me stesso. Imparo sempre nuove materie per crescere di più come persona ed evolvermi.
Cosa unisce i tuoi dipinti e la tua musica?
Credo che l’arte e la musica siano nutrimento per l’anima. Sono un artista e ho capacità e competenze artistiche. Amo anche la musica e la ascolto mentre produco e lavoro sulla mia arte, sia essa musica classica, jazz o rock. Per me, la musica calma il processo di pittura, eleva il mio umore, facilita e apre i miei percorsi cognitivi per il flusso di lavoro. Vivo anche con musicisti. Pertanto, la musica è essenziale nella mia famiglia. Entrambi i miei figli suonano il pianoforte e compongono i propri pezzi. Suonano anche il violoncello e il violino. Vedo che la musica è così naturale per loro che quando suonano il piano chiudono gli occhi e la musica scorre semplicemente dalla loro anima. In questo posso attestare che, proprio come l’arte nasce con te, anche la musica deve far parte della tua creazione affinché possa decollare in quel percorso speciale. L’amore per la musica e l’amore per l’arte devono essere presenti fin dall’inizio.
Come scegli cosa ritrarre?
Mi viene e basta. A volte sogno persino la mia arte prima di crearla. È un po’ bizzarro, ma io sono una di quelle persone che possiedono queste qualità, un po’ extra sensoriali. Una specie di sesto senso, l’ho sempre avuto fin da bambino. Penso che anche alcuni veri artisti abbiano questa capacità. In generale, però, il mio obiettivo è ritrarre ciò che amo. Vengo da radici mediterranee, nate dal Mar Mediterraneo. Pertanto, il grande blu è un tema ricorrente nei miei paesaggi marini e paesaggi blu astratti. Adoro anche le nuvole e i paesaggi del cielo, quindi questo è chiaramente evidente nei miei paesaggi astratti. Io dico che è il tipo di persona con la “testa tra le nuvole”. Guardo sempre le nuvole, il loro movimento, le forme: le nuvole mi rendono felice. E porto parte di ciò che è in me in ogni dipinto che faccio, che siano viaggi, che sia un ricordo, che sia una brezza marina, un’emozione. Ultimamente, la maggior parte dei miei dipinti mira a portare un sentimento meditativo in modo poetico e lirico nell’opera, nella speranza di trascendere lo spettatore verso un regno più elevato dove calma, pace e armonia si allineano.
Un aneddoto che ricordi con un sorriso?
Ricordo che ero a uno dei miei ricevimenti artistici e andavo in giro per la stanza per vedere cosa avevano da dire i visitatori. Ricordo di aver ascoltato una conversazione su uno dei miei precedenti dipinti astratti figurativi intitolato “One Eyed Man” in cui un gruppo di persone che non si conoscono si riunivano attorno al pezzo guardandolo, analizzandolo e conversando al riguardo. Ricordo di aver sentito come ammiravano il dipinto e come il dipinto li faceva sentire. Ciò mi ha fatto sorridere vedendo il potere dell’arte che riunisce sconosciuti e li coinvolge in una conversazione intellettuale.
Se potessi incontrare un artista del passato, a chi e cosa gli chiederesti?
Mi piacerebbe incontrare Claude Monet. Studiando Monet e il suo stile di vita, sento che Monet ed io siamo spiriti affini e condividiamo lo stesso tipo di personalità. Vorrei chiedere a Monet un consiglio su come affrontare le sfide che si incontrano sul proprio cammino.
Come artista, a volte hai bisogno di un altro artista affermato e di lunga carriera per comprendere gli alti e bassi che si affrontano durante il viaggio artistico che ha molte strade tortuose. Essere un artista non è tutto rose e fiori, ma è una “vocazione” e poiché è così che un artista che si impegna a lungo termine deve essere consapevole che una carriera del genere può essere un miscuglio per così dire. Pertanto, chiede a Monet, che visse abbastanza a lungo da superare i momenti difficili per trovare finalmente il suo giardino di ninfee e la sua casa a Giverny, come sia riuscito a superare il momento difficile e a superarlo per raggiungere anni fruttuosi che arrivarono più tardi nella sua carriera.
Se ti incontrassi a 18 anni cosa ti consiglieresti?
Ad essere sincera, se mi incontrassi a 18 anni, studierei oltre ad arte, medicina e psicologia. Ho sempre amato il campo medico. E nel corso degli anni ho sentito che per me c’è molto di più del semplice essere un artista. Sento che sarei stato un grande chirurgo. In questo senso, consiglierei a me stesso giovane di esplorare più argomenti che mi interessavano. Alla fine sono tornato indietro e ho conseguito certificati in arteterapia e psicologia positiva più avanti nella mia vita. Sento che questi studi mi hanno formato ancora meglio per approfondire il mio subconscio creativo e la sua connessione con l’arte che creo. Credo che l’arte e la psicologia siano molto connesse e intrecciate.
Quanto è importante la comunicazione?
La comunicazione è essenziale. Oltre ad essere un artista professionista da decenni e un educatore d’arte da oltre 17 anni, sono anche uno scrittore, scrivo di arte da un decennio. Anche da bambino mi è sempre piaciuta la parola scritta. Mi sedevo tranquillamente a disegnare e scrivere storie per i personaggi che creo in stile fumetto. Sono anche un poeta pluripremiato. Quindi la poesia per me è quasi come l’arte astratta, poche parole, suggestiva e piena di significato. Fornisco sempre una dichiarazione d’artista per ogni nuova collezione e serie che presento in ogni nuova mostra. Ciò aiuta il pubblico, gli spettatori, i fan e i collezionisti d’arte a comprendere ulteriormente i pensieri dietro l’opera.
Che differenza c’è nella percezione dell’arte tra l’Italia e l’estero?
L’Italia è uno dei principali luoghi di nascita dell’arte a livello mondiale, dalla preistoria ad oggi. L’Italia è all’avanguardia in materia artistica e successivamente la tendenza si diffonde al resto del mondo. L’Italia per me è la culla della cultura e dell’arte. Non è un mistero che ci siano alcuni paesi che apprezzano l’arte molto più di altri. L’Italia è uno dei principali paesi in cui l’arte è così intrinseca al suo interno, è nelle sue acque per così dire. Tutto è quasi una forma d’arte in Italia, che si tratti dell’architettura, della cucina, della moda – l’elenco potrebbe continuare. Gli italiani sono quasi nati amanti dell’arte, in altri Paesi bisogna insegnare al pubblico come avvicinarsi all’arte e come guardarla.
Cos’è l’arte per te?
L’arte è tutto! È ciò che mi consuma. Ciò che mi tiene sveglio la notte. L’arte coinvolge letteralmente tutte le mie cellule cerebrali e i miei neuroni. L’arte è vita!
Cosa ti aspetti da un curatore?
Credo che un buon curatore sia colui che facilita le modalità di connessione sia per l’artista che per i collezionisti e gli amanti dell’arte. Un buon curatore vede la visione di un artista e la porta al pubblico attraverso mezzi di marketing e attraverso la rappresentazione dell’artista. Inoltre, un buon curatore presenta l’artista al mondo e sostiene la visione dell’artista in modo solidale. Inoltre, un buon curatore è colui che ha la visione acuta di riunire e selezionare abilmente opere d’arte che si adattano bene all’interno di una mostra.
Cosa si chiede ad un gallerista?
In un certo senso ho avuto la fortuna che la maggior parte dei galleristi con cui ho lavorato ed esposto abbiano visto il mio talento e amato la mia visione. Credo che in generale questo sia ciò che serve a un gallerista, amare la visione dietro l’artista e aiutarlo lungo il percorso nel mostrare il proprio lavoro al pubblico e al mondo. Di solito non faccio domande, se c’è una connessione naturale allora quel flusso avviene in modo naturale e senza sforzo.
Quanto sono importanti per te la luce e il colore?
La luce è l’elemento più importante per me. Oltre ad essere un artista visivo, mi presento anche come un “Operatore di Luce”. Sono qui per trovare la luce nella mia arte, ma soprattutto nella mia vita. Sono sempre diretto verso la luce anche se è alla fine del tunnel. La luce guida la mia visione e la mia missione in questa vita. Inoltre, sento di essere nato su questa terra per essere anche una luce guida, una sorta di faro per illuminare la strada e aprire gli occhi delle persone alla luce e all’amore all’interno di questa vita che connette collettivamente noi esseri umani tra loro. Il colore come la luce è anche fonte di ispirazione e fonte di gioia e felicità. Per un artista, il colore riflette lo stato d’animo in cui si trova e cambia le dinamiche e le emozioni provate durante la visione dell’arte. Il colore per un artista è tutto.
Grazie per la piacevole chiacchierata
Alessio Musella
English version
Your first contact with art?
My first contact with art started at a very young age. I was born into an art household with a mother who is an artist and a father who is an art collector. So, for me art started from the beginning. As far as I can remember, I always had a pencil in hand drawing away the day. As a child, I loved to draw and paint passionately.
For me, I feel art is an intrinsic and integral part of who I am. Art runs in my blood and goes through my veins and comes through my hands onto the paper and canvas. I feel in my case, art was almost born with me, part of my identity. I was as they say born with a natural gift / talent plus growing up in an art household did harness this trait in its progress and development.
When did you realize that art would turn from a passion to a profession?
Very early on. In my case, there was almost no second guessing it, a total no brainer to be an artist along seeking it as a profession. My environment as well and those surrounding me who saw my art and talent at a young age, pleaded with my parents that this is the only route for me; and if I end up becoming anything else but an artist, it is almost a crime. Thus, my community in a way shaped my pursuit of art as a profession. Throughout my primary school and even later, my teachers and principals also saw my artistic talent and encouraged it by entering my art in exhibitions. The support of my artistic vision thankfully was there for me from an early age. Later on, my artwork won scholastic awards and I got scholarships to attend college. I am a graduate and a “Notable Alumni” from The Corcoran College of Art and Design George Washington University, Washington DC.
Your first work?
I’ve had a number of odd jobs throughout college, but one of my first art jobs which also shaped my knowledge in the arts is working as a “Museum Assistant” at a world-class museum, The Phillips Collection Museum located in Washington DC. The job was instrumental since I was in the museum and surrounded by its priceless collection and helping the visiting public as well. I worked for special events that were held at the museum. I was almost out of college when I started working there and it was fun to be surrounded by like-minded individuals who also studied art and loved it as well. Being at The Phillips Collection Museum gave me the chance to spend hours and days with the works of some of the most famous artists that I love and admire such as: Edgar Degas, Paul Klee, Paul Gauguin, Paul Cézanne, Edouard Vuillard, Jacob Lawrence, Georgia O’Keeffe, Georges Braque, Giorgio Morandi, Alberto Giacometti to name a few. And, some of my all time favorites such as modern artist Richard Diebenkorn and spending many hours taking in the heaviness of Mark Rothko’s color field paintings which I adore. The museum has a dedicated room solely for Rothko’s large paintings – for me that Rothko room was a sanctuary that I retreated to especially on days when I was feeling down. Rohko’s art served as a spiritual up-lifter from what ailed me at the time.
* If you are referring in the question to my first artwork, then it would be a drawing of a house with a family, happy clouds and a girl outside amid the flowers. This was a recurring drawing I did as a young child in colored pencils.
To make art, do you have to have studied it?
Yes, in my opinion studying art takes it to a whole new level. One can be born with an artistic talent and love to create art. Yet, I feel this passion has to be disciplined and directed through art education to be elevated to a higher level. I am also an art educator, so for me art education is essential for the proper growth of an art student and a budding artist. Coming from academia, I do believe there are so many advantages in education and developing one’s natural skills to new heights. I see this as an art educator first hand all the time – I have students who are pure beginners and just by taking one course of mine they go from beginners to intermediate in no time. Art education and taking art classes with skilled professional educators help the budding art student to see things and approach themes differently than not taking art classes. My students tell me all the time and they thank me for opening their eyes to seeing the world in a whole new way. I am one of those people who believes that any person should always aim in their life to continuously learn and grow within the learning field. I even reinforce that philosophy on myself. I am always learning new subjects to grow more as a person and evolve.
What unites your paintings and music?
I believe art and music are nourishment to the soul. I am an artist and I have artistic abilities and skills. I also love music and I listen to it while producing and working on my art, be it classical, jazz or rock music. For me, music soothes the painting process and elevates my mood and facilitates and opens up my cognitive pathways for the workflow. I live with musicians as well. Thus, music is essential in my household. Both of my children play the piano and compose their own pieces. They also play the cello and the violin. I see that music comes so naturally for them, that when they are playing the piano they close their eyes and the music simply flows from their soul. In this I can attest that also much like art being born with you, music as well has to be part of your making for it to take off into that special path. The love for music and the love for art has to be there from the beginning.
How do you choose what to portray?
It just comes to me. Sometimes I even dream about my art before I create it. It’s a bit bizarre, but I am one of those people who possess such qualities, a bit of an extra sensory. A sixth sense of some sort, I’ve always had it even as a child. I think some true artists have this ability as well. In general though, I aim to portray what I love. I am from Mediterranean roots, born by the Mediterranean sea. Thus, the big blue is a recurring theme in my signature abstract blue seascapes and landscapes. I also love the clouds and skyscapes so that is clearly evident in my abstracted skyscapes. I say, “head is in the clouds” kind of person. I am always looking up at the clouds, their movement, shapes – clouds make me happy. And, I bring part of what is in me to every painting I do, be it the voyages, be it a memory, be it a sea breeze, an emotion. As of late, most of my paintings aim to bring a meditative sentiment in a poetic and lyrical way to the piece in the hopes of transcending the viewer to a higher realm where calm, peace and harmony align.
An anecdote that you remember with a smile?
I remember being at one of my art reception openings and going about the room to see what the visitors had to say. I remember hearing a conversation about one of my earlier figurative abstract paintings titled “One Eyed Man” where a group of people who don’t know each other gathered around the piece looking, analyzing and conversing about it. I remember hearing how they admired the painting and how the painting made them feel. That brought a smile to my face seeing the power of art bringing strangers together and engaging them in an intellectual conversation.
If you could meet an artist from the past, who and what would you ask him?
I would love to meet Claude Monet. Studying about Monet and his lifestyle, I feel Monet and I are kindred spirits and we share the same personality type. I would ask Monet for advice on how to navigate challenges one faces in their path. As an artist, sometimes you need another accomplished and long-careered artist to understand the ups and downs one faces through the artistic journey which does have lots of curvy roads. Being an artist is no bed of roses, but it is a “calling” and because it is that an artist who goes for it for the long-haul has to be aware that such a career can be a mixed bag so to speak. Therefore, asking Monet who lived long enough to pass through the tough times to eventually find his water-lily garden and house in Giverny how he managed to surpass the difficult time and outgrow it to get to fruitful years that came later in his career.
If you met yourself at 18 what would you advise yourself?
To be frank, If I met myself at 18, I would study besides art, medicine and psychology. I’ve always loved the medical field. And, throughout the years I felt there is more to me than simply being an artist. I feel that I would have been a great surgeon. In that sense, I would advise my young self to explore more subject matters that I had interest in. I did eventually go back and attain certificates in art therapy and positive psychology later on in my life. These studies I feel even better shaped me to delve deeper into my creative subconscious and its connection to the art that I create. I believe art and psychology are very much connected and intertwined.
How important is communication?
Communication is essential. Besides being a professional artist for decades and an art educator for over 17+ years, I am also a writer, I have been writing on art since a decade. I have always liked the written word as well even as a child. I would sit quietly drawing and writing stories to the characters that I create in comic style art. I am also an award winning poet. Thus, poetry for me is almost like abstract art, few in words, suggestive and full of meaning. I always provide an artist statement to every new collection and series I present in every new exhibition. This helps the audience, the viewers, fans and art collectors to further understand the thoughts behind the work.
What difference is there in the perception of art between Italy and abroad?
Italy is one of the main birthplaces of art worldwide from prehistoric times till now. Italy is on the forefront of art matters and later the trend spreads to the rest of the world. Italy for me is the cradle of culture and art. It is no mystery that there are some countries that relish art much more than others. Italy is one of the main countries where art is so intrinsic within it, it’s in its waters so to speak. Everything is almost an art form in Italy, be it the architecture, the cuisine, the fashion – the list goes on. Italians are almost born art lovers, in other countries you have to teach the public on how to approach art and how to look at it.
What is art for you?
Art is everything! It is what consumes me. What keeps me up at night. Art literally engages all my brain cells and neurons. Art is life!
What do you expect from a curator?
I believe a good curator is one who facilitates ways of connection for both the artist and art collectors and art lovers. A good curator sees the vision of an artist and brings it to the public through means of marketing and through representation of the artist. Also, a good curator presents the artist to the world and rallies behind the artist’s vision in a supportive way. Moreover, a good curator is one who has the keen vision of skillfully bringing together and selecting artwork that flows well within an exhibition.
What do you ask a gallery owner?
In a sense I’ve been blessed that most of the gallery owners whom I’ve worked and exhibited with did see my talent and loved my vision. I believe in general that is what is needed from a gallery owner, to love the vision behind the artist and help them along the way in showcasing their work to the public and to the world. I don’t usually ask questions, if there is a natural connection then that flow happens naturally and effortlessly.
How important are light and color to you?
Light is the most important element to me. Besides being a visual artist, I also present myself as a “Lightworker”. I am here to find the light be it in my art, but also mainly in my life. I am always heading towards the light even if it is at the end of the tunnel. The light guides my vision and my mission in this life. Moreover, I feel I was born on this earth to also be a guiding light, a beacon of some sort to light the way and open people’s eyes to the light and love within this life that collectively connects us humans with each other. Color like light is also a source of inspiration and source of joy and happiness. Color for an artist reflects the mood that artist is in and changes the dynamics and emotions felt when viewing the art. Color for an artist is everything.
Here are the links to my website and online leading marketplaces with auctions where my artwork is available.
Website: wwww.vianborchert.com
Link to “1stDibs” where paintings of mine are available world-wide – My artwork is represented with “Maggio Arts”:
https://www.1stdibs.com/creators/vian-borchert/art/
Link to “Artsy” where my artwork is available world-wide with varying international galleries:
https://www.artsy.net/artist/vian-borchert
Thanks for the pleasant chat
