Ryan Koopmans (nato nel 1986) è un pluripremiato fotografo e artista visivo olandese-canadese, rinomato per il suo lavoro che esplora la connessione tra architettura, società e natura.
Il suo stile si distingue per l’uso di geometrie decise, colori saturi e ampie prospettive dedicate a megastrutture urbane, paesaggi industriali e architetture surreali.
Scopriamolo meglio: lasciamo che sia lui a raccontarci qualcosa di sé, rispondendo alle nostre domande
Il tuo primo contatto con l’arte?
Dipingo da quando ero giovane. In seguito ho iniziato a studiare per diventare architetto, ma mio padre mi regalò una macchina fotografica proprio mentre stavo preparando il mio portfolio di architettura.
Mi resi subito conto che la fotografia era un modo più immediato per esplorare e accedere a parti del mondo che mi interessavano.
Mi permetteva di entrare in contatto con culture e ambienti sociali diversi, e quell’immediatezza mi ha catturato. Successivamente ho conseguito un Master in Fotografia, Video e Media Correlati, che ha ampliato la mia pratica oltre l’obiettivo, verso altri mezzi e forme di espressione.
Nel 2011 ho incontrato Alice Wexell: da lì è nata la nostra collaborazione, che ha unito i nostri mondi, interessi e competenze differenti.
Quando hai capito che l’arte sarebbe passata da una passione a una professione?
Non appena ho scoperto la macchina fotografica come strumento per accedere a situazioni, luoghi ed esperienze diverse, ho capito che avrei fatto tutto il possibile per farne la mia professione. Sono fortunato che sia, e sia sempre stata, sia la mia passione che il mio lavoro.
La tua prima opera?
I miei primi lavori professionali sono stati nell’ambito della fotografia documentaria, a partire dal 2004 circa.
Lavoravo a progetti a lungo termine incentrati su luoghi che stavano vivendo cambiamenti sociali o politici, e sul rapporto tra l’ambiente costruito e il mondo naturale.
Quella base fatta di ricerca, pazienza e rispetto per i luoghi reali guida ancora oggi il lavoro che creo con la mia partner, Alice Wexell.
Bisogna studiare arte per crearla?
No, studiare arte attraverso i canali formali non è un requisito necessario per crearla. Ciò che conta di più sono la curiosità, la disciplina e il pensiero critico.
Detto questo, l’istruzione formale può essere utile perché offre contesto, feedback e un linguaggio condiviso.
Un lavoro significativo può nascere da molti percorsi diversi, inclusi l’apprendimento autodidatta e le interpretazioni personali della storia dell’arte.
Come scegli cosa ritrarre?
Sono attratto dall’architettura che riflette estremi sociali, politici o culturali. Gli edifici abbandonati o in transizione fungono spesso da capsule del tempo.
Gli interni, in particolare, sono diventati di recente centrali nel lavoro che io e Alice creiamo, perché custodiscono tracce della presenza umana molto tempo dopo che le persone se ne sono andate.
Un aneddoto che ricordi con un sorriso?
Visitare Tskaltubo per la prima volta, una cittadina unica in Georgia, è stato come fare un passo dentro un momento congelato nel tempo.
Ritornarci più volte, stringere legami con la popolazione locale e testimoniare la rapidità con cui questi luoghi hanno iniziato a cambiare dopo il crollo dell’Unione Sovietica ha creato un potente mix di nostalgia e urgenza che continua a ispirare la mia pratica creativa.
Se potessi incontrare un artista del passato, chi sarebbe e cosa gli chiederesti?
Una delle prime opere d’arte che abbia mai incontrato e che ha cambiato davvero la traiettoria della mia vita è stata di Jackson Pollock. Sarei molto interessato a passare del tempo con lui nel suo studio.
Se incontrassi te stesso a 18 anni, che consiglio ti daresti?
Fidati sempre della tua intuizione e segui il tuo istinto.
Gli consiglierei anche di pensare a lungo termine e di rimanere aperto all’evoluzione dei mezzi e delle tecniche, specialmente perché viviamo in un’epoca di rapida trasformazione tecnologica e di strumenti creativi in continua espansione.
Quanto è importante la comunicazione?
La comunicazione, in tutti gli aspetti della vita, è essenziale.
Qual è la differenza nella percezione dell’arte tra l’Italia e l’estero?Non sono sicuro specificamente in relazione all’arte, ma in Italia la storia si vive quotidianamente.
Le persone crescono circondate da architetture antiche, rovine e una bellezza culturale straordinariamente ricca, il che crea una profonda sensibilità verso il tempo e la continuità. In molti luoghi all’estero c’è un distacco maggiore da questa storia vissuta e, di conseguenza, il rapporto tra tempo, società e ambiente costruito può essere molto diverso.
Cos’è l’arte per te?
L’arte è l’atto di seguire i miei interessi personali, esplorandoli sia fisicamente che mentalmente, e creare un risultato visivo da queste esplorazioni con l’obiettivo primario dell’espressione personale.
Cosa ti aspetti da un curatore?
Un bravo curatore comprende sia gli aspetti concettuali che quelli materiali dell’opera e la colloca all’interno di un dialogo più ampio, accanto ad altri lavori che condividono un filo conduttore coerente.
Cosa chiedi a un gallerista?
Fiducia, trasparenza, energia e un reale entusiasmo per l’opera d’arte!
La presentazione e il contesto sono fondamentali per il nostro lavoro, e apprezziamo molto i galleristi come la Leila Heller Gallery che godono di grande autorevolezza e si impegnano a valorizzare la nostra arte facendola conoscere a nuovi pubblici.
Quanto sono importanti per te la luce e il colore?
La luce e il colore sono fondamentali, poiché il processo iniziale di creazione del nostro lavoro comincia con la macchina fotografica.
Anche l’atmosfera è profondamente influenzata dalla luce e dal colore, motivo per cui progettiamo i biotopi di piante rigogliose in risposta diretta a questi elementi, così come già esistono all’interno dell’architettura.
Grazie per il tuo tempo Ryan
Alessio .
ENGLISH VERSION
Ryan Koopmans (born 1986) is an award-winning Dutch-Canadian photographer and visual artist, renowned for his work exploring the connection between architecture, society, and nature.
His style is distinguished by the use of strong geometry, saturated colors, and wide perspectives dedicated to urban megastructures, industrial landscapes, and surreal architecture.
Let’s get to know him better by letting him tell us about himself by answering our questions.
Your first contact with art?
I have always painted since I was young. In later years, I initially studied to become an architect, but my father gave me a camera while I was building an architecture portfolio.
I quickly realized that photography was a more immediate way to explore and access parts of the world that interested me. It allowed me to engage with different cultures and social environments, and that immediacy hooked me.
I later pursued an MFA in Photography, Video and Related Media, which expanded my practice beyond the lens into other mediums and forms of expression.
In 2011 Alice Wexell and I met, whereby we started our collaborative practice that brought together our different worlds, interests and skill sets.
When did you realize that art would go from a passion to a profession?
As soon as I discovered the camera as a tool to access different situations, places, and experiences, I knew I would do whatever it took to make this my profession. I am fortunate that it is, and always has been, both my passion and my work.
Your first work?
My earliest professional work was documentary photography, beginning around 2004.
I worked on long-form projects that focused on places undergoing social or political change, and on the relationship between the built environment and the natural world.
That foundation of research, patience, and respect for real locations still informs the work I create today with my partner, Alice Wexell.
Do you have to study art to create it?
No, studying art through formal channels is not a requirement to create it. What matters more is curiosity, discipline, and critical thinking. That said, formal education can be helpful because it offers context, feedback, and a shared language. Meaningful work can emerge from many paths, including self-driven learning and personal interpretations of art history.
How do you choose what to portray?
I am drawn to architecture that reflects social, political, or cultural extremes. Abandoned or transitional buildings often function as time capsules. Interiors, in particular, have recently become central to the work Alice and I create because they preserve traces of human presence long after people have left.
An anecdote you recall with a smile?
Visiting Tskaltubo, a unique town in Georgia, for the first time felt like stepping into a frozen moment in time. Returning there repeatedly, forming relationships with local people, and witnessing how quickly these places began to change following the fall of the Soviet Union created a powerful mix of nostalgia and urgency that continues to inspire my creative practice.
If you could meet an artist from the past, who and what would you ask for?
One of the first artworks I ever encountered that truly changed the trajectory of my life was by Jackson Pollock. I would be very interested in spending time with him in his studio.
If you met yourself at 18, what advice would you give yourself?
Always trust your intuition and follow your instincts. I would also emphasize thinking long term and staying open to evolving mediums and techniques, especially as we live in a time of rapid technological transformation and expanding creative tools.
How important is communication?
Communication, in all aspects of life, is essential.
What is the difference in the perception of art between Italy and abroad?
I am not sure specifically in relation to art, but in Italy, history is lived daily. People grow up surrounded by ancient architecture, ruins, and phenomenally rich cultural beauty, which creates a deep sensitivity to time and continuity. In many places abroad, there is more distance from this lived history, and as a result, the relationship between time, society, and the built environment can be quite different.
What is art for you?
Art is the act of following my personal interests, exploring them both physically and mentally, and creating a visual output from those explorations with the primary goal of self-expression.
What do you expect from a curator?
A strong curator understands both the conceptual and material aspects of the work and places it within a broader conversation alongside other works that share a cohesive thread.
What do you ask of a gallery owner?
Trust, transparency, energy, and a real enthusiasm for the artwork! Presentation and context are fundamental to our work, and we really value gallerists, such as Leila Heller Gallery, who are highly reputable and committed to elevating our artwork and introducing it to new audiences.
How important are light and colour to you?
Light and colour are key, as the initial creation process of our work begins with the camera. Mood is also deeply affected by light and colour, so we design the overgrown plant biomes in direct response to these elements as they already exist within the architecture.
Many thanks Ryan for your time
Alessio Paolo Musella
