Per Roberta Volpe sostiene che non debbano essere le parole a spiegare un’opera, ma che debba essere il quadro stesso a “parlare” allo spettatore, permettendo a chi guarda di rispecchiarsi nella narrazione visiva.
Le sue opere esplorano spesso il confine sottile tra sogno e realtà, trasformando i paesaggi emotivi in racconti silenziosi.
Osservando le sue opere il fruitore si trova di fronte ad un “palcoscenico in miniatura” racchiuso dentro una tela, dove la tridimensionalità dei materiali e la luce metallica creano un’esperienza visiva diversa a seconda di come la luce colpisce il dipinto durante la giornata.
Conosciamola meglio lasciando che sia lei a raccontarsi rispondendo alle nostre domande.
Il tuo primo contatto con l’arte?
Il mio primo ricordo legato all’arte è di quando andai al Teatro alla Scala con mia madre a vedere Lo Schiaccianoci.
Avevo circa sei anni, ero seduta piuttosto lontana dal palco. All’inizio mi annoiavo un po’. Poi mia madre sussurrò: “Ora è La danza della Fata Confetto”.
Alzai lo sguardo e qualcosa cambiò. Fui completamente catturata da quel mondo di musica, colori e danza classica. In quel momento, me ne innamorai. Da allora non ho mai smesso di guardare. Credo che quella sia stata la prima volta in cui mi sono veramente innamorata del teatro e delle arti.
Quando hai capito che l’arte sarebbe passata dall’essere una passione a una professione?
Fin da piccola, ho sempre saputo che avrei fatto qualcosa nel campo dell’arte. Disegno da quando ho memoria: animali e piccoli personaggi, soprattutto per i miei compagni di classe alle elementari.
Mio padre era un grafico, quindi sono cresciuta circondata dalla creatività. Passavo i pomeriggi dopo la scuola a colorare e disegnare. In seguito ho studiato scenografia all’Accademia di Brera perché sentivo che il teatro unisse tutte le arti: musica, movimento, arti visive e narrazione.
Dopo aver lavorato nel West End come scenografa, passare alla tela mi è sembrato naturale. Ho iniziato a usare le stesse tecniche che applicavo sul palcoscenico e le ho sviluppate nel mio stile.
Il tuo primo lavoro?
Il mio primo lavoro è stato una commissione e mi ha aiutato a pagare alcune bollette in un periodo difficile.
Era un dipinto astratto in cui avevo già trovato il mio stile distintivo: texture, oro e nero, e schizzi. Il titolo era piuttosto eloquente: Oscurità e Illuminazione. Sono buddista e la mia fede è un pilastro della mia vita. Quella è stata la prima vera ispirazione per il mio dipinto.
Bisogna studiare arte per crearlo?
Ho un approccio all’arte all’antica, perché credo fermamente in ciò che diceva Picasso: “Impara le regole come un professionista, così potrai infrangerle come un artista”.
Credo che imparare le basi dell’arte proporzioni, teoria del colore, prospettiva e così via aiuti a esprimersi liberamente.
C’è una differenza significativa tra dipingere in un certo modo perché si sceglie consapevolmente di farlo e dipingere in quel modo perché semplicemente non si conoscono alternative.
Detto questo, dico sempre qualcosa di importante ai miei studenti.
Quando dicono: “Voglio essere un artista”, rispondo: Tu sei un artista. Non hai bisogno del timbro di approvazione di nessuno per dichiarare: “Sono un artista”.
La differenza tra “Voglio essere” ed “essere” è semplice: crea arte. Fallo. Tutto il resto è solo imparare l’alfabeto che ti permette di esprimerti in modo più chiaro e potente.
Come scegli cosa rappresentare?
L’ispirazione, per me, arriva da ogni dove. Può venire da una poesia di Oscar Wilde, che ha ispirato “Il sognatore”; da un’opera teatrale di William Shakespeare, che ha ispirato “Titania”; dalla mia passione per i cavalli; o persino dal potere emotivo del colore.
Ad esempio, il mio ultimo dipinto è stato ispirato dalla profonda passione di un amico per la musica.
È un grande musicista e ha sempre amato profondamente le chitarre.
Ho sempre amato la musica strumentale, ma non avevo mai sentito un vero legame con le chitarre elettriche.
Un giorno, mi ha mostrato la sua chitarra nera e oro e l’ho sentito suonare. In quel momento, qualcosa è cambiato.
Dopo aver fatto ricerche sulla storia di quello strumento, il giorno dopo sono andato a comprare una tela e ho iniziato a dipingere immediatamente.
Quella chitarra in particolare può essere considerata lo Stradivari della storia del rock.
Il mio ultimo dipinto è nato da quella scoperta: una chitarra che emerge attraverso linee musicali fluide, spartiti e tocchi d’oro ,un’opera che ho chiamato “Black Beauty”.
Un aneddoto che ricordi con un sorriso?
Uno dei dipinti più iconici per me è “Il Sognatore”, e ricordo esattamente come è nato. Stavo leggendo un libro quando mi sono imbattuto in una citazione di Oscar Wilde:
“Un sognatore è colui che può trovare la sua strada solo al chiaro di luna, e la sua punizione è quella di vedere l’alba prima del resto del mondo”.
Giuro: nel momento in cui ho letto quelle parole, ho visto il dipinto chiaramente nella mia mente.
Mi fa sorridere ancora oggi, perché per me il dipinto era già finito.
È l’unica opera che abbia mai creato da un’ispirazione così chiara che dipingerlo mi è sembrato di stampare qualcosa che già esisteva. Il giorno dopo ero davvero frustrato perché non potevo andare in studio: stavo lavorando a un evento e dovevo aspettare un altro giorno.
Ero impaziente; semplicemente non vedevo l’ora di iniziare.
Quando finalmente ho iniziato, ho dipinto due tele contemporaneamente.
Mi sono detto che se avessi commesso un errore su una, avrei potuto correggerlo sull’altra. Ero troppo ansiosa di vedere la mia visione prendere vita. Una tela misurava 120 x 90 cm, l’altra 100 x 80 cm.
Le ho completate entrambe, ed entrambe rappresentavano davvero la mia visione. Non avevo mai dipinto due grandi tele contemporaneamente prima, soprattutto non mentre esploravo qualcosa di nuovo. Il dipinto di 120 x 90 cm è stato venduto e ora si trova a Parigi.
L’altro mi appartiene ancora. Non sono mai riuscito a venderlo.
Sembra il mio manifesto: il momento in cui il mio stile ha iniziato a cambiare.
Da allora ho creato molte versioni su commissione, ma quell’opera originale, quella prima visione, mi fa ancora sorridere. E ancora non riesco a lasciarla andare.
Se potessi incontrare un artista del passato, chi e cosa gli chiederesti?
Che bella domanda, e così difficile a cui rispondere! Sono persino tentata di dire Leonardo da Vinci, il più grande genio mai esistito. Oddio, quante domande gli farei! Probabilmente potrei passare una vita ad ascoltarlo.
Ma se dovessi scegliere, direi Claude Monet, il fondatore dell’Impressionismo. Sono sempre incantata quando guardo gli artisti impressionisti: Monet, Manet, Degas, le cui ballerine ammiro profondamente e di cui mi sono innamorata, e Renoir.
Visitare il Musée d’Orsay è stato un punto di svolta per me. Vedere i loro capolavori dal vivo è stata un’esperienza davvero potente.
La densità delle loro pennellate in controluce crea un effetto vibrante, quasi come se i dipinti fossero in movimento.
È semplicemente mozzafiato.
Mi piacerebbe chiedere a Monet come e perché ha iniziato a dipingere in modo così rivoluzionario.
La sua famosa opera “Impressione, Levar del Sole” è considerata da molti l’inizio dell’arte moderna.
Ma cosa lo ha spinto davvero ad abbandonare l’Accademia e a dipingere in modo così diverso?
Gli chiederei la storia dietro quel dipinto e dietro molti altri suoi capolavori.
Sono sicuro che avrebbe innumerevoli aneddoti da condividere.
E poi, sarebbe incredibile trascorrere una giornata insieme a dipingere en plein air. Sarebbe davvero un sogno che si avvera.
Se ti incontrassi a 18 anni, che consiglio ti daresti?
Sii gentile con te stessa. Per favore, sii gentile con l’artista che è in te.
Ho sempre cercato la perfezione.
Ero quella studentessa che si arrabbiava così tanto da strappare il suo lavoro se non soddisfaceva le sue aspettative.
Col tempo, ho capito che non solo è triste, ma danneggia anche la tua voce interiore, quell’ispirazione che ti sussurra silenziosa e coraggiosa.
Sii gentile. Più accetti te stessa, pur continuando a superare gli ostacoli, più avere quell’alleato nel tuo cuore ti aiuterà a crescere come artista e a coltivare una creatività davvero unica.
E sii gentile con gli altri. Una grande artista con cui ho lavorato nel West End una volta disse qualcosa che non dimenticherò mai: “Roberta, nessuno vuole lavorare con un genio”.
È proprio vero.
A volte, nel perseguire la perfezione, dimentichiamo il valore dell’umiltà e del semplice ascolto. C’è sempre qualcosa da imparare lavorando come assistente dietro a un grande artista.
Se credi che essere un genio sia la chiave, ti sbagli.
Essere gentili, disponibili e umili: questo è il tipo di assistente e di artista che le persone vogliono avere vicino.
E se sei abbastanza fortunato da entrare nel regno creativo di qualcuno, sii presente, capace e impara osservando.
Quanto è importante la comunicazione?
Come persona che balbetta da quando avevo sei anni – e lo fa ancora – direi che è stata essenziale nel plasmare la mia persona e una delle sfide più grandi che affronto ogni giorno.
Durante l’adolescenza, c’è stato un periodo in cui facevo fatica a parlare perché la mia balbuzie era molto forte. La chiave per superarla è stata sfidare me stessa.
Così facendo, la balbuzie ha lentamente perso il suo potere su di me, al punto che ora insegno persino arte all’estero in una seconda lingua.
Scopriamo davvero l’enorme potenziale che tutti abbiamo quando siamo abbastanza coraggiosi da metterci alla prova.
Questo è un altro motivo per cui amo l’arte. Come scenografa, il mio lavoro parla per me a teatro: è come essere sul palco senza essere lì, a disegnare il mondo intorno agli artisti.
Come pittrice, posso esprimere ciò che sento, chi sono e ciò che penso direttamente sulla tela. Trovo che sia incredibilmente potente e liberatorio.
Qual è la differenza nella percezione dell’arte tra Italia e estero?
In Italia abbiamo una tradizione artistica molto forte. Anche nel 2026, il Rinascimento risuona ancora nell’arte contemporanea. Molti artisti continuano a trarre ispirazione dal patrimonio classico italiano, e credo che lo faranno sempre. L’Italia, come la Grecia, ha lasciato un segno indelebile nella storia dell’arte.
Avendo vissuto a Londra e ora a Dubai, la mia esperienza all’estero è stata molto interessante.
C’è ancora profonda ammirazione e rispetto per l’arte italiana. Nel Regno Unito, tuttavia, la risposta alla tradizione assume spesso la forma della ribellione, spingendo l’arte agli estremi, a volte in modi molto provocatori.
Negli Emirati Arabi Uniti, la mia esperienza è stata ancora diversa. Trovo che le persone abbiano una vera sete d’arte. È un paese con una bellissima tradizione e una ricca storia, ma è anche aperto a scoprire e abbracciare l’arte, pur mantenendo una propria forte identità e i propri valori culturali.
Sono ancora nuovo in questo paese, ma quello che posso già vedere è una genuina disponibilità e apertura verso l’arte. Sembra un invito rinfrescante verso nuove opportunità.
Cos’è l’arte per te?
La vita. Credo che non sia vero solo per me: l’arte è ovunque e, in molti modi, viviamo per l’arte, in ogni espressione della nostra esistenza. Anche se sei un medico, un dentista o un avvocato, l’arte è ciò che ci tiene in vita. L’arte esiste in ogni forma di espressione: poesia, teatro, cinema, pittura. Per me, fare arte significa essere parte di questo spettacolo.
Come scrisse Walt Whitman: “Che tu sia qui, che la vita e l’identità esistano, che la potente commedia continui, e che tu possa contribuire con un verso”.
E contribuire con i miei versi: ecco perché creo.
Cosa ti aspetti da un curatore?
Che dia voce ai miei dipinti. Non sono naturalmente bravo a promuovermi, né a parlare emotivamente del mio lavoro in modo strutturato.
Avere qualcuno che possa scrivere dei miei dipinti, qualcuno in grado di condividere la storia che c’è dietro, sarebbe un vero salto in avanti. Per esperienza personale, quando la storia dietro un dipinto viene condivisa l’ispirazione, il processo creativo, il significato collezionisti e spettatori si legano molto più profondamente all’opera. Si sentono più vicini ad essa.
Ma ho bisogno di una voce.
E a volte, a causa della mia balbuzie, perdo l’opportunità di esprimere tutto ciò che voglio veramente dire. Avere qualcuno che possa raccontare la mia storia al mondo, attraverso le parole, sarebbe un passo avanti significativo per me.
Cosa chiedi a un gallerista?
Probabilmente la stessa cosa che chiederei a un curatore: aiutarmi a dare voce e visibilità alla mia arte.
A volte leggo che gallerie o collezionisti possono soffocare la voce di un artista.
Non ci credo. Alla fine, è sempre l’artista a scegliere se rimanere o meno fedele a ciò che sente. Nessuno può mettere a tacere la tua visione a meno che tu non glielo permetta.
Al contrario, una galleria e dei collezionisti possono essere una grande risorsa per un artista.
L’arte, in definitiva, è creata per essere vista, per essere vissuta, per raggiungere il mondo. Quando una galleria aiuta a condividere e amplificare la visione di un artista, si crea una sinergia potente.
Credo fermamente in questo tipo di collaborazione, che aiuta a far conoscere il mio lavoro al mondo rispettandone l’autenticità.
Quanto sono importanti per te la luce e il colore?
Direi che luce e texture sono fondamentali nel mio lavoro.
Anche il colore è importante, ma sono attratta dall’essenzialità.
Lavoro spesso con l’oro e il nero, osservando come la luce interagisce con la texture e il contrasto su uno sfondo scuro.
Osservo la superficie più e più volte, studiando i diversi effetti che può creare.
Questa è l’idea alla base dell’uso della texture e della vernice metallica: creare un’opera che non ti stanchi mai di guardare.
Luce e texture possono generare un caleidoscopio di effetti, che cambiano costantemente a seconda dell’angolazione e dell’osservatore.
Amo il blu oltremare e il rosso, che trovo molto teatrale, ma credo fermamente nella semplicità. Sono d’accordo con Coco Chanel: meno è meglio. A volte due o tre colori su una tela possono dire tutto.
Grazie Roberta per il tempo a noi dedicato
Alessio Paolo Musella
