Nato a Barcellona, classe 1980.
Per lui la fotografia deve esprimere quello che le parole non sono in grado di trasmettere.
La fotografia è arte che cresce forte nel silenzio.
Conosciamo meglio Adrian Pelegrin attraverso le sue risposte alle nostre domande
Il tuo primo contatto con la fotografia?
Mi sono interessato alla fotografia quando, nel 1995, i miei genitori mi hanno iscritto a un campo estivo dedicato all’apprendimento delle tecniche di laboratorio fotografico.
Avevo 15 anni e stavo appena debuttando con la mia prima fotocamera 35mm, una Pentax MZ.
Il workshop è stato intensivo, si è svolto in una casa di campagna ed è durato 15 giorni. C’erano persone provenienti da diverse parti della Catalogna, ed è stata un’esperienza fantastica.
Ho anche iniziato a fumare in quel campo, quindi è stato iniziatico in molti modi.
Al ritorno a casa, ho continuato a sviluppare pellicole da quando un fotografo in pensione che viveva nella stessa strada mi ha permesso di usare il suo laboratorio.
Ho passato centinaia di ore lì dentro, a fare le sostanze chimiche e a sperimentare con l’ingranditore. In seguito ho deciso di allestire un laboratorio nella mia stanza, sempre nella casa dei miei genitori, e da allora sono rimasta intrappolata in questa malattia rara chiamata “fotografia”.
Quando hai capito che la fotografia sarebbe diventata una professione?
Quando ho dovuto decidere quali studi intraprendere, all’età di 18 anni, ho considerato la possibilità di diventare regista.
Volevo fare il regista a quel tempo e ho studiato a Barcellona con quell’illusione in mente. I miei studi erano tecnici;
Ho studiato cinema, fotografia e televisione.
Ma il collegamento con l’industria cinematografica era alquanto complicato e alla fine ho optato per la fotografia.
Terminati gli studi, mi si è aperta la possibilità di continuare come stagista con il fotografo Rafael Vargas.
Ho lavorato sodo e alla fine ho trovato lavoro nel suo studio, prima come assistente e ritoccatore digitale e poi come fotografo.
Il tuo primo lavoro?
Dopo sei anni di duro lavoro, ho deciso di diventare indipendente e di creare la mia società di fotografia pubblicitaria.
Grazie all’assicurazione contro la disoccupazione, ho avuto due anni per preparare il mio sito web, mettere insieme un portfolio e iniziare a posizionarmi.
Gli inizi sono sempre difficili, ma le aziende hanno cominciato a chiamarmi per realizzare commissioni fotografiche.
Allo stesso tempo, ho continuato a offrire servizi di ritocco per altri fotografi della città.
È stato un passaggio progressivo fino ad accumulare clienti e mantenere una certa regolarità di lavoro.
Così ho fatto di tutto: fotografia di prodotto, eventi, ritratti aziendali, architettura, interior design, moda.
Ho dovuto diversificare all’inizio per esplorare il mercato e, negli anni, mi sono specializzato.
Come scegli i tuoi progetti?
Scelgo argomenti di impatto sociale che hanno un ruolo importante nei media. Ho una base di progetti più storici, come “Il Muro di Berlino”, “La Guerra del Golfo”, e poi altri più attuali, ad esempio, la “Pandemia Covid-19” che stiamo vivendo attualmente.
C’è anche un punto di opportunismo poiché attenersi alle questioni attuali cattura più facilmente l’attenzione delle persone.
Ad esempio, la pandemia è scoppiata quando stavo lavorando al muro di Berlino, ci ero concentrato per più di 20 giorni, ma all’improvviso la pandemia ha preso il sopravvento ed è diventata una priorità assoluta.
Ora che sto finendo il fotolibro della pandemia, ho intenzione di tornare ad altri progetti storici e iniziare a lavorare su quelli nuovi, anche se già classici, come l’obesità, l’anoressia, la medicalizzazione, ecc.
Ci sono migliaia di argomenti interessanti da trattare.
Un aneddoto divertente che puoi condividere con noi?
Molte persone pensano che io sia un classico fotografo documentarista, ma non lo sono. Non esco dalla stanza per fare le mie foto.
Faccio cinescopi a lunga esposizione, cioè foto dello schermo del mio computer. Devo esplorare e guardare centinaia di video su YouTube e passare ore a girare.
A volte è eccitante perché finisco in posti inaspettati, ma ci sono anche momenti noiosi di completa incertezza. La cosa divertente è che invece di stare in piedi con il treppiede, vado su una cyclette mentre scatto le foto.
A volte mi sento un uomo hikikomori, isolato dal mondo, nella mia bolla, ma allo stesso tempo fortemente connesso al web ea quello che sta succedendo.
Se potessi incontrare un artista del passato, a chi e cosa gli chiederesti?
Vorrei parlare con Van Gogh.
Dopo aver letto le sue lettere, mi sono identificato con lui ; c’è un punto di follia nella creazione artistica, un impegno personale che dobbiamo assolvere a tutti i costi, molte volte pur non ottenendo alcun riconoscimento e vivendo nel più completo ostracismo.
Vorrei chiedere a Van Gogh di quell’impulso, cosa lo ha fatto continuare nonostante tutto. Così tante persone pensano che sia un cattivo esempio per gli artisti e un mito distruttivo, penso sia il contrario.
È un riferimento essenziale, un mirabile esempio di cosa significhi essere un creatore appassionato.
Senza quell’entusiasmo, non sarei in grado di sopportare i sacrifici e gli sforzi che la creazione artistica impone.
Quanto conta la comunicazione?
Viviamo in un mondo in cui siamo costantemente bombardati da immagini e messaggi di ogni tipo.
Parte del mio lavoro consiste nell’usare quel materiale e sovvertirlo artisticamente. È un atto comunicativo che attinge da un contesto più ampio.
Non creo ex nihilo, da zero o dalla mia immaginazione; invece, mi approprio e trasformo il materiale che già esiste nel mezzo dei mass media. Il mio modo di comunicare consiste nel presentare una realtà che tutti conoscono ma distorta.
Quel salto percettivo attiva le immagini inconsce, ravviva latenti o represse.
Provocare una certa distanza, dove ogni giorno diventa inospitale, dove il familiare diventa sinistro. Penso che sia il potere delle immagini.
Possono parlare senza parole.
Comunicano attraverso livelli di coscienza diversi da quelli del linguaggio testuale.
Cos’è per te l’arte?
L’arte è un campo aperto allo sviluppo della libertà.
Tutto ciò che non possiamo fare nella nostra vita quotidiana è ciò che dobbiamo fare nell’art.
Non credo ci sia un modo corretto di definire l’arte; è in tanti modi come artisti.
Definire l’arte, dire che qualcosa è o non è arte, è un modo per limitare quella libertà. Secondo la mia esperienza, l’arte dà senso alla vita; è la manifestazione di una coscienza che cerca di connettersi con qualcosa di trascendente.
E per dirla chiaramente, questo non ha nulla a che fare con Dio.
È, in ogni caso, prima di ogni sentimento religioso.
Sono ateo, ma attraverso l’esperienza estetica posso avvicinarmi, in una certa misura, al sublime.
Cos’è per te la fotografia?
La fotografia è un’arte silenziosa.
Rappresenta una sezione del tempo e della memoria.
A differenza della pittura, il suo carattere indicizzato gli conferisce una credibilità senza pari. Ecco perché l’immagine fotografica è attualmente onnipresente; è ovunque poiché ha un potere schiacciante di suggestione.
Attraverso la fotografia è possibile manipolare e trasformare le coscienze; non è un caso che fosse il mezzo preferito dagli inserzionisti.
Serve averli studiati per proporre arte e fotografia?
Assolutamente.
A questo punto della storia, non possiamo essere ignoranti.
È presuntuoso pensare che un’anima pura, mai toccata dall’accademia, saprà creare qualcosa di nuovo. Niente è più lontano dalla realtà.
Senza studio, siamo condannati a ripetere la storia ancora e ancora.
Attraverso la conoscenza della storia dell’arte, possiamo renderci conto di quali sono le opere che ancora ci mancano.
Senza un inventario esaustivo, ripeteremo solo i modelli.
Dobbiamo aprire nuove strade, sovvertire quanto appreso, andare oltre quanto già fatto.
E ciò può essere raggiunto solo attraverso lo studio ossessivo della teoria dell’arte e della fotografia.
Grazie per la piacevole chiacchierata
Spanish Version
¿Tu primer contacto con la fotografía?
Me interesé por la fotografía cuando, en 1995, mis padres me inscribieron en un campamento de verano dedicado a aprender técnicas de laboratorio fotográfico.
Tenía 15 años y acababa de estrenar mi primera cámara de 35 mm, una Pentax MZ.
El taller fue intensivo, se llevó a cabo en una casa de campo y duró 15 días. Había gente de diferentes partes de Cataluña, y fue una gran experiencia. También comencé a fumar en ese campamento, por lo que fue iniciático en muchos sentidos.
Al regresar a casa, continué revelando película ya que un fotógrafo jubilado que vivía en la misma calle me permitió usar su laboratorio. Pasé cientos de horas allí, haciendo los químicos y experimentando con la ampliadora.
Más tarde, decidí instalar un laboratorio en mi propia habitación, aún en la casa de mis padres, y desde entonces estoy atrapado en esta rara enfermedad llamada “fotografía”.
¿Cuándo entendiste que la fotografía se convertiría en una profesión?
Cuando tuve que decidir qué estudios elegir, a los 18 años, me planteé la posibilidad de convertirme en cineasta. Yo quería ser director en ese momento, y estudié en Barcelona con esa ilusión en mente. Mis estudios eran técnicos; Estudié cine, fotografía y televisión. Pero la conexión con la industria del cine era algo complicada, y finalmente me decanté por la fotografía.
Cuando terminé mis estudios se me abrió la posibilidad de continuar como becario con el fotógrafo Rafael Vargas. Trabajé duro y finalmente conseguí un trabajo en su estudio, primero como asistente y retocador digital y luego como fotógrafo.
¿Tu primer trabajo?
Después de seis años de duro trabajo, decidí independizarme y montar mi propia empresa de fotografía publicitaria. Gracias a recibir el seguro de desempleo, tuve dos años para preparar mi sitio web, armar un portafolio y comenzar a posicionarme.
Los comienzos siempre son complicados, pero empezaron a llamarme empresas para realizar encargos fotográficos.
Al mismo tiempo seguí ofreciendo servicios de retoque para otros fotógrafos de la ciudad. Fue una transición progresiva hasta que acumulé clientes y mantuve cierta regularidad de trabajo.
Así que hice de todo: fotografía de producto, eventos, retratos corporativos, arquitectura, interiorismo, moda. Al principio tuve que diversificarme para explorar el mercado y, con los años, me especialicé.
¿Cómo eliges tus proyectos?
Elijo temas de impacto social que tienen un papel importante en los medios. Tengo una base de proyectos más históricos, como “El Muro de Berlín”, “La Guerra del Golfo”, y luego otros más actuales, por ejemplo, la “Pandemia del Covid-19” que estamos viviendo actualmente. También hay un punto de oportunismo ya que ceñirse a los temas actuales capta más fácilmente la atención de la gente. Por ejemplo, estalló la pandemia cuando estaba trabajando en el Muro de Berlín, llevaba más de 20 días concentrado en él, pero de repente la pandemia tomó posición y se convirtió en una prioridad absoluta. Ahora que estoy terminando el fotolibro de la pandemia, planeo retomar otros proyectos históricos y comenzar a trabajar en otros nuevos, aunque ya clásicos, como la obesidad, la anorexia, la medicalización, etc. Hay miles de temas apasionantes para tratar.
¿Alguna anécdota divertida que puedas compartir con nosotros?
Mucha gente piensa que soy un fotógrafo documental clásico, pero no lo soy.
No salgo de la habitación para tomar mis fotos. Hago kinescopios de larga exposición, es decir, fotos de la pantalla de mi computadora.
Tengo que explorar y ver cientos de videos en YouTube y pasar horas disparando. A veces es emocionante porque termino en lugares inesperados, pero también hay momentos aburridos de completa incertidumbre.
Lo curioso es que en lugar de estar de pie con el trípode, monto en una bicicleta estática mientras tomo las fotos. A veces me siento como un hombre hikikomori, aislado del mundo, en mi burbuja, pero al mismo tiempo muy conectado con la red y lo que está pasando.
¿Si pudieras conocer a un artista del pasado, ¿a quién y qué le preguntarías?
Me gustaría hablar con Van Gogh. Después de leer sus cartas me sentí muy identificado; hay un punto de locura en la creación artística, un compromiso personal que debemos cumplir a toda costa, muchas veces a pesar de no obtener ningún reconocimiento y de vivir en el más completo ostracismo.
Le preguntaría a Van Gogh sobre ese impulso, qué le hizo seguir a pesar de todo.
Mucha gente piensa que es un mal ejemplo para los artistas y un mito destructivo, yo creo que es todo lo contrario.
Es una referencia imprescindible, un ejemplo admirable de lo que significa ser un creador apasionado. Sin ese entusiasmo, no podría soportar los sacrificios y el esfuerzo que impone la creación artística.
¿Qué tan importante es la comunicación?
Vivimos en un mundo donde estamos constantemente bombardeados por imágenes y mensajes de todo tipo. Parte de mi trabajo es usar ese material y subvertirlo artísticamente. Es un acto comunicativo que se nutre de un contexto más amplio.
No creo ex nihilo, desde cero o de mi imaginación; sino que me apropio y transformo el material que ya existe en los Mass Media.
Mi forma de comunicar consiste en presentar una realidad que todo el mundo conoce pero de forma distorsionada.
Ese salto perceptivo activa el inconsciente, revive imágenes latentes o reprimidas. Provoca una cierta distancia, donde lo cotidiano se vuelve inhóspito, donde lo familiar se vuelve siniestro.
Creo que ese es el poder de las imágenes. Pueden hablar sin palabras. Se comunican a través de niveles de conciencia distintos a los del lenguaje textual.
¿Qué es el arte para ti?
El arte es un campo abierto al desarrollo de la libertad. Todo lo que no podemos hacer en nuestra vida diaria es lo que debemos hacer en el arte. No creo que haya una forma correcta de definir el arte; es de tantas formas como artistas haya. Definir el arte, decir que algo es o no es arte, es una forma de limitar esa libertad.
Según mi propia experiencia, el arte da sentido a la vida; es la manifestación de una conciencia que busca conectarse con algo trascendente. Y para decirlo claramente, eso no tiene nada que ver con Dios. Es, en todo caso, anterior a todo sentimiento religioso. Soy ateo, pero a través de la experiencia estética puedo acercarme, en cierta medida, a lo sublime.
¿Qué es la fotografía para ti?
La fotografía es un arte silencioso. Representa una sección del tiempo y de la memoria. A diferencia de la pintura, su carácter indicial le otorga una credibilidad sin parangón.
Por eso en la actualidad la imagen fotográfica es omnipresente; está en todas partes ya que tiene un poder de sugestión abrumador.
A través de la fotografía es posible manipular y transformar conciencias; no es casualidad que fuera el medio favorito de los publicistas.
¿Es necesario haberlos estudiado para proponer arte y fotografía?
Absolutamente. A estas alturas de la historia, no podemos ser ignorantes. Es ingénuo pensar que un alma pura, nunca tocada por la academia, podrá crear algo nuevo. Nada más lejos de la realidad.
Sin estudio, estamos condenados a repetir la historia una y otra vez.
A través del conocimiento de la historia del arte, podemos darnos cuenta de cuáles son las obras que aún nos faltan.
Sin un inventario exhaustivo, solo repetiremos patrones. Tenemos que abrir nuevos caminos, subvertir lo aprendido, ir más allá de lo ya hecho. Y eso solo se puede lograr a través del estudio obsesivo de la teoría del arte y la fotografía.
