Faa Videl , artista visiva contemporanea,
I suoi lavori si distinguoni per un linguaggio grafico fresco, intimo e fortemente espressivo.
Si muove abilmente tra l’illustrazione digitale e il disegno, fondendo suggestioni della cultura pop e dell’estetica moderna con una spiccata sensibilità per il colore e le atmosfere introspettive.
Attraverso uno stile pulito ma ricco di personalità, riesce a trasmettere emozioni complesse e narrazioni visive immediate, catturando la quotidianità e trasformandola in poesia visiva. Con una visione artistica in costante evoluzione,
Una voce originale e promettente nel panorama dell’arte digitale odierna.
conosciamola meglio attraverso le sue risposte alle nostre domande
Il tuo primo contatto con l’arte?
Se qualcuno mi avesse fatto questa domanda qualche anno fa, avrei risposto:
“Il primo quadro che ho dipinto a otto anni, un coniglio preso di mira da un cacciatore, che poi ha vinto il primo premio a scuola e in seguito nella capitale”.
Ma ora, anni dopo, dopo che la mia arte si è intrecciata contemporaneamente con il suono, l’immagine e le parole, la mia risposta è diversa.
Penso che per tutti noi il primo contatto con l’arte avvenga attraverso il suono, forse sotto forma del sussurro o della ninna nanna di una madre.
Quello che ora ricordo come il mio primo incontro con l’arte è la voce di mia madre: il suo sussurro morbido e fanciullesco mentre mi faceva sedere su un tavolo e cantava dolcemente una poesia per bambini per calmarmi e catturare la mia attenzione.
Avevo probabilmente circa tre anni.
Quando hai capito che l’arte sarebbe passata da passione a professione?
Circa cinque anni fa, quando ho iniziato a trasformare le versioni fisiche delle mie opere in formato digitale per renderle più accessibili, qualcuno ne ha collezionata una online per la prima volta senza avermi mai visto di persona.
Quello è stato il momento in cui ho capito che la mia arte, per quanto profondamente personale, non era destinata a rimanere solo mia per sempre. Poteva esistere altrove, con qualcuno che forse non avrei mai conosciuto.
Quell’esperienza è diventata anche una motivazione per iniziare io stessa a collezionare le opere di altri artisti.
Per me, c’è qualcosa di significativo sia nel vivere attraverso la propria arte, sia nell’usare parte di ciò che essa restituisce per sostenere e collezionare l’arte altrui.
La tua prima opera?
Stai scherzando?
La mia prima opera è stata quel disegno del coniglio che ho fatto da bambina.
E naturalmente, dopo ogni periodo di trasformazione o di muta della pelle, la prima opera che emerge in seguito di solito diventa la più diversa e memorabile.
Ma se intendi la prima opera con cui ho guadagnato dei soldi, allora durante gli anni dell’università ho lavorato per un periodo nella progettazione 3D usando 3ds Max, creando design di mobili e layout residenziali come progetti di interior design.
Quei progetti hanno fatto sì che l’interior design diventasse la mia professione principale per i successivi 11 anni.
È necessario aver studiato arte per crearla?
Studiare arte è necessario, a un certo punto, come fondamento del lavoro. Ma non è la stessa cosa del processo di creazione in sé.
È come l’architettura: un architetto comprende la struttura di un edificio e, grazie a quella conoscenza, sa dove si può rimuovere un muro o dove si può aggiungere una nuova porta o finestra.
Potrei dire che l’arte, per me, è iniziata prima di studiarla.
Attraverso lo studio ha trovato una direzione.
E poi è proseguita attraverso la mia creatività e la mia intuizione.
Tutto ciò che ha dato alla mia arte personalità e unicità è accaduto al di fuori degli spazi accademici. Perché gli ambienti accademici non possono davvero insegnare a qualcuno come creare.
La creazione è uno spazio intensamente personale che ogni artista può scoprire solo dentro di sé.
E mantenerlo vivo è interamente nelle sue mani.
Qualcuno può studiare arte per anni e non creare comunque nulla di veramente vivo. Oppure può dipingere qualcosa di tecnicamente bellissimo, senza però aggiungere alcuna nuova linea, alcuna nuova voce, alcuna nuova prospettiva al mondo, limitandosi a ripetere ciò che esisteva già prima di lui.
Qual è il legame tra i tuoi dipinti e la musica?
Amo molto questa domanda.
Per me, quando voglio creare un’opera, un solo medium come la pittura non mi sembra mai abbastanza.
Anche da bambina, ogni volta che leggevo un libro, ero curiosa di sapere che tipo di musica ascoltasse il protagonista o quali film potesse amare.
È così che mi sento anche dal punto di vista creativo.
Quando dipingo un personaggio che nasce dalle emozioni di un momento specifico, è come se quel dipinto portasse già un suono dentro di sé anche da qualche altra parte.
Poi, quando mi siedo davanti allo strumento, riesco a tradurre quel suono in una musica minimale e semplice.
E a volte la musica stessa mi aiuta a vedere più chiaramente l’atmosfera del dipinto, influenzando persino i colori, lo stato d’animo e lo spazio emotivo dell’opera.
In seguito, utilizzo quella stessa musica nella videoarte creata a partire dal dipinto, insieme alla poesia o al testo che diventa la voce centrale dell’intera opera.
Come scegli cosa ritrarre?
In generale, non scelgo cosa creare o dipingere.
Le immagini esistono già da qualche parte dentro di me, e io mi limito ad aiutarle a prendere una forma esteriore attraverso il mio linguaggio, il mio stile e la mia sensibilità.
Ogni volta che attraverso un’esperienza umana o emotiva, qualcosa dentro di me si prepara a essere creato, e inizio naturalmente a scrivere, disegnare o suonare.
Ma in generale, la natura e la fisica quantistica sono grandi fonti di ispirazione per me.
Si potrebbe dire che formano una sorta di struttura sottostante attraverso la quale la creazione e l’espressione iniziano a fluire.
Un aneddoto che ricordi con un sorriso?
Qualche anno fa, una delle mie opere è stata selezionata tramite un bando pubblico per una mostra a Pechino, e quella è diventata la mia primissima mostra internazionale.
All’epoca non avevo nessuno lì che potesse mandarmi foto o aggiornamenti, quindi aspettavo con ansia che il curatore decidesse finalmente di condividere qualche immagine.
La mattina dopo l’inaugurazione, ho ricevuto un messaggio su Twitter da un perfetto sconosciuto.
Mi disse che, dato che la mostra era vicino a casa sua, l’aveva visitata il giorno prima; era entrato in profonda sintonia con la mia opera, aveva scansionato i miei contatti e aveva deciso di mandarmi alcune foto del mio pezzo esposto.
Non puoi immaginare quanto fossi emozionata ed entusiasta.
In seguito, quella persona è diventata un mio caro amico, e quello che ha fatto è rimasto per sempre uno dei momenti più belli della mia vita.
Se potessi incontrare un artista del passato, chi sarebbe e cosa gli chiederesti?
Non avevo mai pensato davvero a questa domanda prima d’ora perché, onestamente, penso che il solo fatto di aver avuto la possibilità di vivere nello stesso periodo di così tanti artisti sia già stata una delle più grandi opportunità per me.
Ma se potessi incontrare qualcuno del passato, mi piacerebbe molto passare del tempo con Virginia Woolf.
C’era una connessione visiva così potente tra le sue parole e il modo in cui vedeva il mondo.
Anche se era una scrittrice, i suoi testi erano sempre profondamente ricchi di immagini e, ogni volta che leggevo le sue frasi o i suoi passaggi, la mia mente ne veniva inondata.
Se avessi potuto incontrarla, mi sarebbe piaciuto creare dipinti per i suoi libri e dare colore e suono ai personaggi delle sue storie, nello stesso modo in cui faccio con i personaggi delle mie opere.
Se incontrassi te stessa a 18 anni, quale consiglio ti daresti?
Le direi che non esiste una strada completamente sbagliata.
Cerca di vivere come la migliore versione di te stessa, ma ricorda sempre che molte cose nella vita non sono interamente nelle tue mani o sotto il tuo controllo.
Quindi non colpevolizzarti mai per tutto ciò che accade.
Sii costante nel perseguire ciò che desideri davvero e comprendi che probabilmente attraverserai molte difficoltà lungo il percorso.
Ma è spesso attraverso quelle difficoltà che diventerai la versione più forte e autentica di te stessa.
Quanto è importante la comunicazione?
Gli esseri umani non sono fatti per stare sempre completamente soli.
Molte fasi della crescita avvengono attraverso la connessione e le relazioni.
Soprattutto per un artista, il cui lavoro è in definitiva destinato a comunicare con il mondo esterno attraverso l’arte.
Se la comunicazione non fosse importante, non sarei qui a fare questa intervista in questo momento 🙂
Differenza tra Italia e estero?
Dipende da cosa intendi per “estero” e a quale luogo ti riferisci.
A mio avviso, ogni luogo che possiede un proprio background culturale e artistico è naturalmente diverso dai luoghi al di fuori del proprio contesto.
Dipende davvero dalle fondamenta su cui è stata costruita quella base culturale.
Ad esempio, in Italia, a causa della sua profonda storia artistica e di molti anni di crescita nel design e nella moda, l’espressione contemporanea dell’arte ha assunto in parte la forma della moda stessa.
Si percepisce che gli occhi delle persone sono più allenati all’estetica, allo stile e al dettaglio visivo.
Allo stesso modo, in Austria, a causa della sua ricca cultura musicale, le persone sembrano spesso avere una sensibilità musicale e una cultura dell’ascolto più forti.
Forse nella realtà non è del tutto così semplice, ma visto da fuori, è così che appare l’atmosfera esterna a qualcuno che la osserva da un’altra prospettiva.
Cos’è l’arte per te?
Trasformare qualcosa di intangibile e impossibile da esprimere a parole, o persino di cui parlare facilmente, in qualcosa di tangibile ed esprimibile, senza mai dirlo direttamente.
Dire qualcosa senza dirlo.
L’arte è il punto che evoca emozioni incontaminate.
Cosa ti aspetti da un curatore?
Un curatore d’arte, attraverso una profonda comprensione dello stile e del corpus di opere di ciascun artista, può creare significato e narrazione attraverso la selezione stessa. Unendo determinate opere, costruisce nuove relazioni tra l’opera d’arte, l’artista e il pubblico.
A volte, la stessa identica opera d’arte può essere vista in modo diverso all’interno di collezioni e storie curatoriali differenti.
Una selezione attenta può persino dare all’artista un nuovo slancio nel proseguimento del suo percorso creativo, consentendo al contempo allo spettatore o al collezionista di sentirsi compreso attraverso l’arte.
In questo modo, il curatore mantiene vivo, in evoluzione e dinamico il legame tra le due parti.
Cosa chiedi a un gallerista?
Sostenere l’arte e l’artista dovrebbe essere una delle responsabilità fondamentali del gallerista. Proprio come lo spazio della galleria stessa diventa un luogo d’incontro tra l’arte, l’artista e il pubblico, la presenza e il ruolo del gallerista dovrebbero servire allo stesso scopo.
Creando una connessione sana tra collezionisti, sostenitori e artisti, possono mantenere questa relazione viva, dinamica e reciprocamente preziosa per tutti i soggetti coinvolti. La gestione finanziaria dovrebbe basarsi su una struttura vantaggiosa per tutti (win-win), e gli artisti non dovrebbero essere valutati solo in base alla fama, a uno storico di vendite importante, a prezzi elevati o alla reputazione, ma attraverso l’impegno verso l’arte, la professionalità, la costanza e la profondità artistica.
Un gallerista dovrebbe aiutare a preservare e sostenere il significato e la narrazione creati sia dal curatore sia dall’artista, aiutando al contempo a delineare e guidare un percorso professionale per il futuro dell’artista.
Al di là delle sole vendite, diventa un ponte tra l’artista e il mondo esterno.
Quanto sono importanti per te la luce e il colore?
Se l’arte è la narratrice dell’emozione, allora la luce e il colore sono i narratori di come quell’emozione esiste, del suo movimento, del suo tempo e del mondo che la circonda.
I colori emergono dall’interno della luce. Anche nelle opere monocrome, la luce stessa diventa la narratrice del colore. Senza luce, l’oscurità non ha significato; non può nemmeno essere vista.
E il colore dà a ogni forma un nuovo significato e una nuova interpretazione.
A volte, per me, creare un colore, o anche scegliere l’esatta sfumatura di un colore e l’angolo della luce, può richiedere giorni, perché il colore e la luce sono il primissimo incontro del pubblico con il sentimento che si intende trasmettere
Grazie per il tempo a noi dedicato.
Alessio Paolo Musella
