In un mondo saturo di immagini vuote, l’arte di Xenia emerge come una narrazione fatta di luce, dove i colori pastello elevano l’estetica quotidiana a un’esperienza sensoriale profonda.
Il suo stile si muove con eleganza tra un impressionismo pop, che cattura l’energia del presente, e un astratto che libera l’emozione dalla forma.
Qui la creativita’ sembra voler agire come un filtro che trasforma la realtà in un rifugio silenzioso, restituendo significato e sostanza a ogni singolo frammento visivo
Conosciamola meglio lasciando che si racconti attraverso le risposte alle nostre domande.
Il tuo primo contatto con l’arte?
È davvero difficile da ricordare, dato che sono cresciuto in una famiglia di artisti. Fin dalla prima infanzia, ero circondato da tele, colori, pennelli e spatole: questi sono stati essenzialmente i miei primi “giocattoli”.
Ho iniziato a disegnare quasi subito, non appena mi è stato dato un foglio di carta.
Quando hai capito che l’arte sarebbe passata da passione a professione?
Non c’è stato un momento preciso. Quando cresci in un ambiente in cui tutto ruota intorno all’arte, è difficile immaginarsi in un’altra professione.
Ho preso in considerazione altre strade, come la psicologia, ma la pittura e l’arte mi sono sempre sembrate le più naturali e familiari.
Non si trattava tanto di scegliere l’arte, quanto di scegliere al suo interno: tra architettura, pittura o storia dell’arte.
La tua prima opera?
È una domanda complessa, perché dipende se consideriamo o meno le opere dell’infanzia.
Ho iniziato a frequentare la scuola d’arte a sei anni e l’ho adorata: ero una delle studentesse più brave.
Ancora oggi, quando riguardo i disegni che mia madre conservava, mi stupisco spesso del livello che avevo raggiunto a quell’età.
Quindi, forse, quei primi lavori possono essere considerati i miei primi.
Bisogna studiare arte per crearla?
Questa è la mia opinione personale, ma credo che la formazione sia fondamentale.
L’arte non è solo ispirazione: è anche una professione che richiede tecnica, conoscenza, esperienza visiva e comprensione della composizione, del colore e della forma.
Molti pensano che basti prendere i colori e iniziare a creare, ma risultati davvero validi raramente si ottengono senza una solida base.
Detto questo, c’è anche un altro aspetto: a volte una struttura accademica eccessiva può risultare limitante.
Tuttavia, credo fermamente che una solida formazione artistica sia fondamentale.
Come scegli cosa ritrarre?
Quando creo per me stessa, il processo è completamente intuitivo. Posso trarre ispirazione da qualsiasi cosa: un fiore, una scena teatrale, la musica o la poesia. Nasce un’associazione, emerge un’emozione e sento il bisogno di tradurla su tela.
Per me, l’arte è sempre un’esperienza interiore che cerca espressione.
Quando si tratta di lavori su commissione, il processo è diverso: c’è un compito e una direzione ben precisi.
Quindi, in un certo senso, ci sono due approcci: quello intuitivo e quello strutturato.
Un aneddoto che ricordi con un sorriso?
C’è una storia che mi fa ancora sorridere, con un senso di orgoglio e sorpresa allo stesso tempo.
Una volta dipinsi un paesaggio urbano in stile impressionista di una piccola città spagnola, non una meta turistica molto conosciuta, ma un luogo dall’atmosfera incantevole.
L’opera era piuttosto libera nell’esecuzione, con colori vivaci e un’attenzione particolare all’atmosfera piuttosto che ai dettagli.
All’epoca, il quadro si trovava nella galleria di mia madre, specializzata in antiquariato giapponese e cinese, quindi era completamente fuori contesto.
Un giorno, una donna entrò, si guardò intorno e chiese quanto costasse il quadro. Inizialmente non mi resi nemmeno conto che si riferisse alla mia opera, che era appoggiata a terra lì vicino.
Le dissi che era mia e che non era in vendita.
Lei disse: “Che peccato, mi piace molto. È la Spagna, vero?”.
Quel momento mi sorprese davvero: le chiesi come avesse fatto a riconoscerla e lei rispose: “Dall’atmosfera”.
Fu una rivelazione sconvolgente: è possibile trasmettere un’atmosfera con tale precisione che qualcuno possa riconoscere un luogo solo attraverso le sensazioni.
La parte più toccante arrivò dopo: circa un anno dopo, la stessa donna tornò e disse di ricordare ancora quel quadro. A quel punto, però, era già stato venduto all’asta.
Se potessi incontrare un artista del passato, chi e cosa gli chiederesti?
Non mi limiterei a uno solo 🙂
Se ne avessi la possibilità, mi piacerebbe incontrare Leonardo da Vinci, Raffaello o Michelangelo, e di certo non mi fermerei a una sola domanda. Cercherei di trascorrere più tempo possibile con loro, ponendo infinite domande e semplicemente osservando il loro modo di pensare e di vedere il mondo.
Se ti incontrassi a 18 anni, che consiglio ti daresti?
Mi direi: non ascoltare nessuno, fai ciò che ti sembra giusto.
Hai intuizione e chiarezza interiore, quindi fidati di te stesso, vai avanti e non guardare indietro agli altri.
Quanto è importante la comunicazione?
La comunicazione è essenziale in ogni aspetto della vita: nel lavoro, nelle relazioni personali e nella costruzione di legami con clienti, amici e familiari.
In un contesto professionale, nulla funziona veramente senza una comunicazione chiara ed efficace.
Qual è la differenza nella percezione dell’arte tra l’Italia e l’estero?
L’Italia vanta una concentrazione unica di patrimonio culturale: pittura, architettura e scultura hanno raggiunto livelli straordinari.
Chi nasce e cresce in questo ambiente è circondato da capolavori, il che naturalmente plasma una percezione più raffinata e una maggiore sensibilità al bello.
Naturalmente, anche altri paesi, tra cui la Russia, possiedono un ricco patrimonio artistico. Storicamente, molti artisti, compresi i maestri russi, si sono recati in Italia per visitare il paese.
Grazie Xenia per il tempo a noi dedicato
Alessio Paolo Musella
English Version
Xenia: art experienced as a diary of emotions
In a world saturated with empty images, Xenia’s art emerges as a narrative made of light, where pastel colors elevate everyday aesthetics to a profound sensory experience.
Her style moves elegantly between a pop impressionism that captures the energy of the present, and an abstraction that frees emotion from form. Here, creativity seems to act as a filter, transforming reality into a silent refuge, restoring meaning and substance to every single visual fragment.
Let’s get to know her better by letting her tell her story through the answers to our questions.
Your first contact with art?
It is honestly difficult to recall, as I grew up in a family of artists. From early childhood, I was surrounded by canvases, paints, brushes, and palette knives, those were essentially my first “toys.”
I started drawing almost as soon as I was given a sheet of paper.
When did you realize that art would go from a passion to a profession?
There was no single moment of realization. When you grow up in an environment where everything revolves around art, it becomes difficult to imagine yourself in any other profession.
I did consider other paths at some point, such as psychology, but painting and art always felt the most natural and familiar to me.
It was less about choosing art, and more about choosing within it ,between architecture, painting, or art history.
Your first work?
It is a complicated question, as it depends on whether we consider childhood works.
I began attending art school at the age of six, and I truly loved it ,I was one of the strongest students.
Even now, when I look back at the drawings my mother kept, I am often surprised by the level I had at that age.
So perhaps those early works can be considered my first.
Do you have to study art to create it?
This is my personal opinion, but I believe that education is essential.
Art is not only about inspiration , it is also a profession that requires technique, knowledge, visual experience, and an understanding of composition, color, and form.
Many people assume that one can simply take paints and start creating, but truly strong results rarely come without a foundation.
That said, there is also another side to it: sometimes too much academic structure can become limiting.
However, overall, I strongly believe that a solid artistic education is fundamental.
How do you choose what to portray?
When I create for myself, the process is entirely intuitive. I can be inspired by anything ,a flower, a theatrical scene, music, or poetry. An association appears, a feeling emerges, and I feel the need to translate it onto canvas.
For me, art is always an internal experience that seeks expression.
When it comes to commissioned work, the process is different, there is a clear task and direction.
So in a way, there are two approaches: intuitive and structured.
An anecdote you recall with a smile?
There is a story that still makes me smile, with a sense of pride and surprise at the same time.
I once painted an impressionist-style cityscape of a small town in Spain, not a well-known destination, but a place with a beautiful atmosphere. The work was quite free in execution, with bright colors and a focus on mood rather than detail.
At the time, the painting was in my mother’s gallery, which specialized in Japanese and Chinese antiques, so it stood completely out of context.
One day, a woman walked in, looked around, and asked how much the painting cost. At first, I didn’t even realize she was referring to my work, which was leaning on the floor nearby. I told her it was mine and not for sale.
She said, “That’s a pity, I love it. It’s Spain, isn’t it?”
That moment truly surprised me ,I asked how she knew, and she answered: “By the mood.”
It was a powerful realization, that it is possible to convey an atmosphere so precisely that someone can recognize a place through feeling alone.
The most touching part came later: about a year afterwards, the same woman returned and said she still remembered that painting. By that time, however, it had already been sold at auction.
If you could meet an artist from the past, who and what would you ask for?
I wouldn’t limit myself to just one 🙂
If I had the chance, I would love to meet Leonardo da Vinci, Raphael, or Michelangelo, and I certainly wouldn’t stop at a single question. I would try to spend as much time with them as possible, asking endlessly and simply observing the way they think and see the world.
If you met yourself at 18, what advice would you give yourself?
I would say: don’t listen to anyone , do what feels right to you.
You have intuition and inner clarity, so trust yourself, move forward, and don’t look back at others.
How important is communication?
Communication is essential in every aspect of life, in work, in personal relationships, and in building connections with clients, friends, and family.
In a professional context, nothing truly functions without clear and effective communication.
What is the difference in the perception of art between Italy and abroad?
Italy has a unique concentration of cultural heritage , painting, architecture, and sculpture have reached extraordinary heights there.
People who are born and raised in this environment grow up surrounded by masterpieces, which naturally shapes a more refined perception and a deeper sensitivity to beauty.
Of course, other countries , including Russia, also have a rich artistic legacy. Historically, many artists, including Russian masters, traveled to Italy to study and work, drawing inspiration from its culture.
At my academy in Moscow, we even studied the Italian language in order to read Renaissance texts in the original and better understand the cultural context.
In that sense, Italy can truly be considered the cradle of world art, and the level of artistic perception there is often higher.
What is art for you?
It is, of course, a philosophical question.
For me, art is a space where I can be completely honest with myself. It is a way of expressing thoughts, emotions, and inner states that cannot be articulated in words.
Painting, in particular, is something between meditation and an immersive process , it allows me to be alone with myself, to reflect, to feel, and to experience the moment.
It is both an inner dialogue and a source of pleasure , in the process itself and in the final result.
And undoubtedly, it is an essential part of my life.
What do you expect from a curator?
I expect structure, clarity, and a professional perspective.
A curator should be someone who can guide the process, help define direction, and create a sense of order.
Sometimes an artist needs an external framework , someone who can say: “We are preparing an exhibition, we need to develop a concept, produce a certain number of works, and move in a defined direction.”
This kind of guidance helps to reach a new level and makes artistic development more intentional and structured.
What do you ask of a gallery owner?
I expect strong and professional presentation of my work, thoughtful positioning, and, of course, successful sales.
Equally important is support in developing my personal brand as an artist, creating the right context around the work and building a long-term strategy.
How important are light and color to you?
Light and color are fundamental in painting.
They are among the core elements , alongside composition , that shape how a work is perceived.
Without a strong understanding of light and color, it is impossible to create a complete artistic statement.
They define atmosphere, depth, and emotional impact.
